在成都这个新生的艺术空间，饱览亚洲当代名家精品

艺术不仅是一座城市精神美学的象征，也是一座城市的活力所在。作为西南重镇，成都不仅在政治经济领域稳居前列，也有着悠久的当代艺术传统，事实上，文化艺术已经成为一种重要的城市叙事，融入到了当地人的日常生活中。

近期，一座全新的艺术空间——嘉艺术中心在成都开幕，并带来首展“故乡·他乡”。“故乡·他乡”由龙美术馆馆长王薇策展，汇聚了亚洲40余位艺术家的作品，从“绘画川军”如周春芽、何多苓、张晓刚、程丛林等国内著名艺术家的作品，到草间弥生、村上隆、奈良美智等富有国际盛誉的亚洲艺术家代表作品，创作年代横跨1960年至今，共同开启一场跨越时空之旅。我们从中挑选了一些精彩展品，不妨从艺术的滋养中踏上“故乡”到“他乡”的旅程。

嘉艺术·成都开幕首展“故乡·他乡”展览现场

“绘画川军”佳作汇聚一堂

在当代艺术领域，“西南”不仅是一个地域名词。近四十年来，活跃的艺术创作使得“西南”占据了中国当代艺术的半壁江山，同时，也将中国当代艺术带上国际舞台。从“伤痕艺术”“乡土绘画”“新具象”到“生命流”“新伤痕”“青春残酷系列”“卡通一代”等等，西南涌现了许多当代艺术的代表人物及作品。这些接连不断在当代艺术领域引人瞩目的艺术家及其作品，使西南从偏安一隅的历史角落跻身为中国当代艺术重镇。在本次展览中，周春芽、何多苓、张晓刚、程丛林等著名“绘画川军”的代表作品汇聚一堂，他们或从本地风土人情出发，或植根于自身的成长经验，带来一场有关“故乡”的视觉盛宴。

张晓刚《圣母子像》

1989年，布面油彩，91×72 厘米

张晓刚是中国当代艺术早期的代表人物之一，也是“绘画川军”的中坚力量。在此作中，张晓刚借用圣经图像，呈现出庄严而深情的寓言。在此时期的作品经常出现床单的图像，它无可避免地令人联想起圣经中的故事，但对于张晓刚来说，床单代表着他的濒死经验，医院中丢空的病床只铺着床单。这种带有双重意义的象征性符号经常出现于他的作品中，令观赏者产生多元联想。

程丛林《取水》

1991年，布面油彩，143×115厘米

上世纪七十年代末，一批艺术家脱离了文革期间“高大全”“红光亮”的模式，将艺术描绘的对象引领到关注人性深层感受的方向上来，伤痕美术、惟美画风、乡土自然主义一时间成为潮流。程丛林即是“伤痕美术”的代表，他关注极其普通、极其平凡的人们的生存状态，以朴实无华的写实主义艺术手法，描绘生活在大凉山彝民的生活片断，《取水》即是这一系列的代表。

何多苓《黑衣女人》

1997年，布面油画，110×80厘米

女性肖像一直是何多苓喜爱的题材，女性特有的细腻、敏感、微妙是他特别感兴趣的一点。“小翟”是何多苓画的最多的女性形象，“小翟”正是著名诗人翟永明，何多苓的创作深受她的诗歌影响。本幅作品即以小翟为蓝本，画面中，身着紧身黑衣的年轻女郎，双手交叉在胸前、两腿展开的姿态，带着神秘、忧郁的神情。绛灰的地板、墙角的转折、不仅有划分空间的作用，同时也营造了一个情绪的空间。

周春芽《大乔小乔》

2010年，布面油画，254×360厘米

桃花是周春芽作品中最常见的主题之一，象征着生命的旺盛和冲动。创作于2010年的《大乔小乔》，意味着“桃花”系列作品中的一次转折尝试，两位年轻女孩被包围在桃花烂漫的花海之中，笑语嫣然，背景中的桃花恣意绽放，甚至被夸张式地放大，充分洋溢着生活的美好与爱情的澎湃。

屠宏涛《东坡的一封信》

2011年，布面油彩，180×280厘米

屠宏涛曾说“山水是一种精神气质”，在中国山水画里，他找到了自己的情感归宿。他尤喜欢北宋李成和郭熙山水中的视觉气息，《读碑窠石图》历史纵横的苍冷，《早春图》勾魂摄魄的烟云等对他来说是都奇幻的舞台。《东坡的一封信》恰如苏轼《枯木怪石图》的现代演绎，屠宏涛借用油画材料表现中国山水图式，幻化着他对“文人化”思想和生存方式的向往，展现出融汇古今、游弋中西的创作意图。

李继开《巅峰》

2007年，布面油彩，148×200厘米

和屠宏涛一样，李继开也是活跃于国内的“70后”绘画川军。“男孩”是李继开作品中的标志性形象，这既是艺术家的叙事符号，又是艺术家个人生活体验的标签与印记。

熊宇《人物的舞台》

1999年，布面油画，148×198 厘米

熊宇作为70后备受关注的标志性艺术家，他有着学院古典绘画的背景，又深受当前流行文化的影响。在他的绘画中可以找到七十年代中后期一代人的许多特征，比如梦想，漫画的视觉风格，幻觉似的体验，形象和颜色的酷，迷上瘾的电子文化的感觉。通过绘画，熊宇构想出一个独特、自主以及无所不在的图景。这些出现的生物被标注以象征主义、精巧以及隐喻的特色，由此引发了在它们自身背景下关于存在的新思考。

从“故乡”到“他乡”

乡愁是人类共通的情感经验，即使身处在全球化的时代，艺术家在进行艺术创作时，也会不可避免的对自身所沿袭的文化传统进行思索，并最终演化出全新的面貌。在此次展览策划中，策展人王薇同时将“故乡”的概念延伸到了“他乡”的领域，不仅局限于在地化的视觉表达，来自中国台湾、日本、韩国、印度尼西亚等地的亚洲艺术家，共同“编制”了一场有关故乡的视觉盛景。

萧勤《结构》
(中国台湾)

1962年作，布面油画，80×10

萧勤是台湾著名“东方画会”的主要发起人之一，亦被誉为台湾现代抽象艺术先驱，对中国现代抽象艺术的发展作出了重大贡献。《结构》一作是萧勤在意大利时期的重要创作，画面中象征权利与绝对至上的城楼图示，以及两侧的被块面化的充满暗喻的广场柱，将画面营造出极具威慑力的压制性构成，而背景部分被大面积的类似乌云的黑色大块面笼罩，黑色与红色的鲜明对比将画面再次渲染出肃穆而充满震慑之感，城墙下部的拱桥内又透出如晴空般的窥见。

时永骏《日常体制.Z-看风景-B》
(中国台湾)

2012年，布面丙烯，162×130厘米×2

时永骏出生于中国台湾，是亚洲备受关注的青年艺术家之一。时代背景对艺术家的创作影响颇深，经济蓬勃时代的物质产物和随之涌入的新鲜事物在艺术家生命经验中刻下深厚的记忆。时常出现的旧物件、玩具以及家具等等，都成为时代的证物、时间的容器，是时永骏作品中不可替代的情感载体。

草间弥生《南瓜》
（日本）

1989年，布面丙烯，91×73厘米

南瓜是草间弥生最喜欢的题材之一，她与南瓜的渊源深远，可追溯至儿时生动清晰的幻觉情景。关于南瓜，草间曾经说道“我很喜爱南瓜。作为我自小的心灵居所，南瓜为我心带来别具诗意的平和安宁。南瓜跟我说话，焕发庄严神圣的精神状态。它们包涵了全人类共享的生活喜悦之源。这就是让我继续创作的南瓜。”标志性的波点南瓜，表现出草间内心不断拉扯的张力，在持续的波点创作中，她重新找到了内心的平静。

奈良美智《无题》
（日本）

2000，丙烯、彩色铅笔于木板，230.5×165.3 厘米

奈良美智的绘画可以被看做是艺术家自身与童年时期的持续对话，他的绘画在表达童真的同时，以孩子的视觉解构了成年人的生活状态。那些看似安静默然但却在企图求救的暗示，则是艺术家自身与社会间所碰撞与挣扎出的情感表达，一种似而喧嚣的孤独情绪。

村上隆《Kaikai Kiki》
（日本）

2002年，布面丙烯，100×100 厘米

村上隆是日本最重要的当代艺术家之一，亦是他促成了当代日本最重要的艺术运动“超扁平”（Superflat）的诞生。该运动模糊了雅俗艺术以及艺术与商品的界线，对日本新一代影响深远。在日文中，“kikikaikai”可解作“奇奇怪怪”或“稀奇现象”，《Kaikai Kiki》属于村上隆最早以吉祥物 Kaikai 和Kiki 为主角的作品之一，充分表现出“超扁平”风格的美学概念。

关根伸夫《G120-14 月影》
（日本）

1989年，和纸18K金箔、综合材料，131×194.5 厘米

关根伸夫是日本物派的代表人物，其作品深受禅宗哲学的启发，将拓扑学（位相几何学）的理论结合艺术实验，探讨物事经过变形却不变质的状况下所呈现的多元观感，以及人与物之间的关系改变。

七户优《心理学》
（日本）

1994年，木板丙烯，51.8×45 厘米

日本画家七户优的作品，让观者不其然进入炼金术、物理和宇宙论的幻想世界。《心理学》显示出七户优在九十年代初的主要早期风格。在黄黑相间的背景前，一只企鹅和一位男模特儿面对面，围绕着两者的英文字母标示，明显取材自十八世纪的科学文献绘图，而背后的红色帷幕，则是七户优历来重复使用的重要视觉元素之一，用以表达画中的戏剧性。

松山智一《完美，从头到脚》
（日本）

2020年，布面丙烯和综合材料，185×262厘米

成长于横跨日美两国不同的环境里，松山智一的作品亦是不同文化的融合。他把传统的日式色调跟耀眼的荧光色融合，用自己的审美经验将编辑过的图片剪切拼凑，在欢快的彩色画面上呈现出多样而矛盾的现代文化。

加藤泉《无题》
（日本）

2005年，布面油彩(二联画)，130.5×194 厘米

加藤泉的作品特征鲜明——其轮廓普适，时而雌雄同体、四肢纤长且姿态诡谲，融合着植物属性，仿佛源自异端的灵性世界，又具有生长于土地的原始力量。这些普世而鲜活的视觉形象独立于东西方二元论的视觉艺术史分界，呈现出源自本土文化、带有宗教属性的自然观，在艺术家虚构的世界里，这些生物既亲切又陌生，以各种形式静穆地伫立于观众的面前。

崔令杰《早春》
（韩国）

2013年，纸本水彩，74.5×120厘米

韩国艺术家崔令杰的《早春》，画面背景十分干净，只有或盛开或含苞欲放的玉兰花，颜色雅洁如玉，馨香浓重似兰。

金暎性《无·生·物》
（韩国）

2012年，布面油画，50×100 厘米

韩国艺术家金暎性是当今世界上最受推崇的超写实画家之一。金暎性的大部分作品描绘的都是小动物和人造物件之间的互动，他从小就对昆虫、爬行动物和两栖动物十分着迷，会把它们关在房间里，当作绘画对象。“Nothing·Life·Object”(无·生·物)是金暎性一系列超现实昆虫绘画，刻画入微、栩栩如生，其背后探索着人类社会与自然生态的关系。

阿凡迪《公鸡斗》
（印度尼西亚）

1982，布面油彩，110×150 厘米

阿凡迪是印尼艺术的先锋人物，他领导着表现主义在印尼生根，尽管借鉴了西方现代主义技法，但他的作品始终保留着对本土的情感。印尼后殖民时代的多元文化身份衍生出重重提问，阿凡迪沉浸其中，最终在普世人文主义中找到慰藉。这种普世价值激发他终身专注描绘峇里平民的日常生活，借以表达他们是平等的国民，而非来自异域的“他者”。

艾瑞卡·海斯图·瓦尤尼
《中爪哇的鱼丰收》
（印度尼西亚）

2000年，布面油彩，170×202 厘米

艾瑞卡·海斯图·瓦尤尼是印尼重要的当代艺术家之一。她最著名的是她独特的“童真”绘画，经常使用鲜明的色彩和强烈的对比，并融入简单的生物体，通常包括大象、鸽子、儿童等。乍一看，艾瑞卡天真的画作似乎过于简单，但近看则充满细节，作品在每一个细节和相互关联的叙事中揭示出人性的复杂。

让艺术介入社区

目前，在商业项目中植入艺术业态已经成为一种主流趋势。但商业选择以何种方式介入艺术，艺术空间的运营模式，展览的延续性，仍然是有待思索的问题。

嘉艺术隶属于宸嘉发展集团，在品牌创立之初，即融入了艺术的概念，2021年8月，首个嘉艺术中心在武汉揭幕，推出国际知名艺术家草间弥生的主题展《南瓜、花朵和我们》，十余件私人收藏的草间弥生真迹，吸引了众多市民游客前往打卡参观。截止到目前，嘉艺术·武汉已举办了《肖像之外》《重奏》和《光·景》多场展览；2022年9月，嘉艺术落地长沙，首展推出《理想世界》，再到近期嘉艺术·成都的成立。目前，嘉艺术已经在成都、武汉、长沙三地形成新的艺术格局。

嘉艺术·成都

据王薇介绍，相比大型的美术馆，嘉艺术更多主打服务社区的概念，目的在于把艺术落到大众的日常生活中，并丰富人们的精神空间。目前各地的嘉艺术空间计划每年推出4场高品质展览，并在武汉、长沙、成都三座城市之间形成互动和对话，塑造新的艺术生态。为了增强社区服务性，嘉艺术未来还将在公共教育，包括女性教育、儿童教育、暑期实践、讲座等方面做更多的规划和投入，让本地市民真正参与其中。

收藏家、龙美术馆馆长、“故乡，他乡”展览策展人王薇在展览开幕现场