李青（Li Qing）：观看窗内窗外的时代流转｜AR艺术家

李青肖像，2022年

李青于1981年出生于浙江湖州，现工作生活于上海、杭州之间。艺术家于2007年毕业于中国美术学院油画系并获得硕士学位，于2012年成为该系多维表现工作室导师。曾于2017年入选法国巴黎Jean-Francois Prat奖。李青于创作中追溯着发生在当代生活中，大量信息传播之下，集体记忆和知识经验中的历史记忆的碎片化和意识形态冲突，也同时梳理检验了现代图像、语言、符号系统和社会空间之间的张力与矛盾，串联起多层次的经验要素，并从中调和出引发省思的全新叙事界面。

李青工作室 / ©李青 - 致谢艺术家工作室。

作为画家李青创作题材、表现手法多样，在其作品中经常呈现，通过游戏方式吸引观者与作品进行互动的趣味状态，就像他最早为人熟知的双联画系列《大家来找茬》。在初看到这系列的作品时，观者或许会感叹李青的精湛绘画技法，能将两幅画绘画得完全一样。但定睛仔细观看后，便会发现相异之处越来越多，并理解到原来两幅用手复制的“绘画”从始至终就不可能完全相同。李青先前接受采访时也说道：“挑逗和暗喻是我比较喜欢的方法，因为大家都有思想，没必要把自己的想法一股脑儿地告诉人家，给人家一张寻宝图，想要找宝的人自己就去了，艺术家做到这点就够了。”在系列作品中，李青画给观者的找茬任务换过各种版本，有宇航员杨利伟出舱图、戴安娜王妃婚礼照片等社会图像资料，也有各种城市建筑角落等日常景观。这个系列创作于2005年一路多年延续下来，也捕捉不同时期变迁中的世界与社会图像。

李青
《大家来找茬·楼姐（两图有五处不同）》2019
布面油画
200 x 150 cm x 2

《大家来找茬》系列旨在将观者带到关于艺术和现实经验的双重思考之中，并让绘画与观者之间形成互动模式。而这种对于绘画中“互动”模式的探求，在不久后2007年创作的《互毁而同一的像》系列作品之中，被艺术家发展显得更加具有观念性。这系列作品中，李青将两件尚未干透的画面进行粘合，然后再分开，从而产生出两张全新的图像，粘合的行为本身是破坏性的，却导致了图像之间的“同一”。这可以看做是李青试图对绘画中“界限”的一种跨越，一切视觉符号都处于互动状态中，也如同法国哲学家德里达（Jacques Derrida）所说的：“游戏的规则已经被游戏本身所替代”。

李青

《互毁而同一的像·张国荣》2007

照片两幅（尺寸可变）、布面油画

170 x 127cm x 2

早期作品开始打破人们观看绘画，和识别图像的习惯方式，重启观众与绘画之间的互动模式，自2011年创作《窗》系列开始，李青整理出一条更为清晰的创作线索，这条线索也穿插在他的其他系列的发展当中。艺术家将自身定位扮演观察者的角色，深入梳理看与被看的逻辑。《窗》系列将绘画与从拆迁地搜集而来的老旧木窗框相结合，李青或在窗格背面作画，或把画嵌于实际空间的表面，使得作品中的窗格具有“可以透过观看”的空间感。在李青开始搜集废弃建筑上窗户的过程中，他发现了老窗户本身所具备的某种时间性。“它是从中国城市不断更新中被废弃掉的一些东西，是建筑的残件。当我站在一扇窗前，其实是虚构一个曾经有过的建筑。建筑已经不存在了，曾经可能有人通过这扇窗户向外看，但那个场景也已经消失在历史之中。而今天的观众再经过这扇窗时，其中就有可以令人玩味的东西。”

「放大」展览现场，阿尔敏·莱希 - 伦敦，2020/ © 李青 - 致谢艺术家与阿尔敏·莱希 - 摄影：Melissa Castro Duarte。

窗内的画描绘的多是与当今中国城市有关的场景：包含艺术家自己拍摄的，也有来自社交网络上的城市风景。李青聚焦日新月异的中国都市与社会变迁中的当代美学，反映出当代人类生活与历史之间紧密的联系，也表达出对中国大城市快速中产阶级化的思考。这一创作理念与文艺复兴时期的建筑学家莱昂·巴蒂斯塔·阿尔伯蒂（Leon Battista Alberti）对绘画作为“一扇可以窥见历史的窗户”的认知不谋而合。而《窗》系列中的窗外的景观，也随着系列创作的时间线推移而不停变动。近几年的作品中，窗户内的更多是不再单一的完整风景，而更多是拼接式的。窗内的风景呈现出跨越不同时间点，出现不同人，以及风景照片的局部互相组合。渐渐地，《窗》系列作品更像一个拼图，风景本身就是一个虚拟的碎片，也体现了现代人对城市景观的一种碎片化观看和分享方式。

李青

《看得见日出的窗子》2020

古董窗框、油彩、有机玻璃

160 x 95 cm

2019年11月，李青个展于上海的PRADA荣宅开幕，现场展出的《迷窗》系列《迷窗•展览中心》（2019）和《迷窗•荣宅》（2018-2019）两件亮点作品，窗框后的画布上用写实手法画着上海各大地标建筑，有银行、美术馆、也有荣宅。《迷窗·展览中心》将北京展览馆和上海展览中心巧妙合成：有的方块漆黑一片，有的描绘展馆灯火通明的夜晚，有的又像夕阳刚好落在建筑之后，加上有机玻璃和铝塑板拼贴，光影流动也让人有着仿佛时空穿梭的感觉。在李青看来，整个《窗》系列就是他对绘画本体的一种追问，把西方透视法作为载体，添加到了绘画里面。“当观众站在老窗子前面的时候，会勾起对过去的时空的想象——而这种想象，又与‘窗子’里画的当代建筑错位了。”

「后场」展览现场，PRADA荣宅，2019/ © 李青 - 致谢艺术家与PRADA荣宅。

李青

《迷窗·展览中心》2019

古董窗框、有机玻璃、油彩、衣物、马克笔、印刷品、铝塑板

212 x 106 cm

近两年中，李青开启了新系列《框形画》的创作。此系列是将一幅画转化为“框”，并在之中画入另一幅画。《框形画》打破人们观看绘画，和识别图像的习惯方式也延续了早期《大家来找茬》和在《互毁而同一的像》系列作品中，所实践对绘画中种种“界限”的跨越。今年的新作中，李青把更多的关注点放在了中国近年各地新兴的建筑，以及在建筑美学的审美新趋势上，延续了对当代消费主义、美学传统的思考。新作中出现了许多当下社交媒体平台上流行的“网红建筑”，艺术家也将这种视觉冲击力很大的几何式造型，在画中表现到极致。而框型外部的图像，则可能是从商业广告、刊物插图中截取的人物，也都一同聚集起来呈现出充满世俗和消费主义的氛围。

李青

《绿色的Q（月亮酒店）》2022

布面油画

69 x 56 cm

在《框形画》中，人物、环境和建筑，都布置在一个画面中，李青也如此形容《框形画》：“人们带着消费的目的去‘占有’建筑......如今，建筑和这种生活方式互相塑造，我在画这些建筑和人物的时候，其实是带着调侃和戏谑意味的。”李青还进一步将“框形画”和“窗子”系列组合变形，作品既是框形画，又在“画”中有窗框的出现，平面不断被打破。对既有感知框架的问询，也投射出一种独属于这片土地的美之怪异，即一种无根基的美学体验，它写照着相关群体对生活方式与身份认同的选择。《框形画》和《窗》系列的新作也于阿尔敏.莱希 -上海空间的李青个展展出，展览已于12月3日圆满落幕。

“我们在李青的绘画实践中已经探得多个认知的路径，它们之间并不矛盾，也不存在固定的逻辑和秩序。与其说这是在建构一个绘画的认知系统，不如说是在解离绘画本身所具有的诸种智识能量。”美术评论家鲁明军如此理解李青的创作脉络。这也与李青强调自己的系列作品在他自己看来像一个迷宫，它们会不断重复，但每一次重复，力量也在新的作品中不断叠加，不断相互印证的想法不谋而合。“我想试图成为一个博尔赫斯式（Jorge Luis Borges）的画家，他所有的写作构成了一个时空的迷宫，这种想象力刷新了当时人们对叙述一件故事的方法的认知，交织着对人在现代化之后的那种异化处境的描述。”

李青

《腰形结构》2022

古董木窗、油彩、丙烯、亚麻画布、有机玻璃、铝塑板、画框

117 x 96 cm

李青形容自己现在的创作“更线性而缓慢”。身处高速网络和碎片式信息的包围，他观望并沉淀，通过经年磨砺的绘画媒介来表达想法：“绘画提供的经验是让我不急于去表达，而是通过观看、观察和手的劳作，不断调整细节，教会我怎么去有控制地表达。”李青通过绘画这扇“窗”窥视世界的好奇心在其艺术生涯中始终如一。他着眼于数个经典绘画主题或哲学概念，呈现当前社会发展环境中普遍焦虑的主体和人性。肖像和风景一直都是绘画史里的重要母题，也是李青的作品长期以来所关注的重点。身处充斥着魔幻现实的当代生活中，艺术家跨越多维度的艺术实践，便是将城市空间、消失的郊区，以及当下人浮躁又隐秘的情感，不断抽丝剥茧再转译成强烈的图像信息呈现给观众。无论是观察风景还是观察人，任何绘画都不是艺术家的一时冲动，其中也总会涵盖一些真实生活的线索，李青也期望从创作中体现这一点。