又一位摄影大师走了！他生前留下了这些神秘照片……

老柒老柒摄影

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他的作品总是流露出一种神秘、或抑郁、或病态。

他的蒙太奇和人体摄影都有一种摄人心魄的力量，让人感到震撼。

他是一位对后现代摄影产生深远影响的大师之一。

Honor to the Ray Man, 1997

亲密的特写描绘了黑暗中的女性胴体，只见其肤不识其人，

像是含糊缥缈的语言，神秘而令人玩味。

在他的作品里，视觉中的现实被改造变形，用以传达心理状态的真实。

他是20世纪60年代在美国占主流地位的“非文学性”摄影的先锋，也是如今被广为认可的美国摄影前辈。

前段时间，据美联社消息报道，超现实摄影师、蒙太奇先驱杰里·尤斯曼（Jerry Uelsmann）在佛罗里达州去世，享年87岁。

杰里·尤斯曼自拍照

“大多数摄影师都有一个放大机，可我有6个。”

杰里·尤斯曼于1934年出生于密歇根州底特律。早在读书时代，14岁的他就对摄影产生了兴趣。

他相信通过摄影，他可以脱离于世俗之外，构建一个属于自己的乌托邦。

1957年，杰里·尤斯曼从罗切斯特理工学院获得BFA美术学士学位，随后在印第安纳大学攻读美术学硕士，成绩突出的他随后在佛罗里达大学教授摄影。

在杰里·尤斯曼的学生时期，那时的美国摄影圈的风气与今天非常不同。

那时没有摄影美术馆，也几乎没有博物馆真正把摄影当回事儿。

摄影作品的售价也相当便宜，不会超过10~15美元，相当于80~120人民币。

几乎所有的摄影师都是自学成才，只有很少的学校培训摄影艺术家。

杰里·尤斯曼相信：只有摄影师投入精神内容，摄影作品才会真正具有影响力。

现代主义特别强调机械美学，缺乏了人文意味，他希望照片可以供人沉思和冥想，试图寻找一种人性的摄影方式，这与现代主义者的机械摄影理念形成鲜明对照。

他就像曼·雷（Man Ray）和萨尔瓦多·达利（Salvador Dali）等艺术家那样，把人的身体局部乃至整体作为象征性的符号，穿插在图像中，并以之锐现超越于一切表象的思维境界。

1967年，杰里·尤斯曼在纽约现代艺术博物馆举办了他的第一次个展，为他的摄影生涯打开了大门。

“穿过一个细小的空洞，我耗费人生窥视着幻境。”杰里·尤斯曼第一次创作他的一张蒙太奇照片时，他感觉到自己被一种强烈的直觉引导着，他开始探索视觉的可能性。

Small Trees Where Do I Meet Myself, 1967

他在佛罗里达大学任教的38年里，帮助建立了创意摄影课程，这是美国最早的艺术摄影项目之一。

佛罗里达大学艺术与艺术史学院代理院长伊丽莎白·罗斯说：“他改变了摄影，改变了学校，也改变了我们。”

Tree-goddess, 1994

在20世纪中叶，摄影各大流派纷纷站队，杰里·尤斯曼并不关心这些流派的分歧，他只是希望与观众分享他想象中的图像，并用蒙太奇的手段表达出来。

杰里·尤斯曼对大自然的奇妙环境，以及人体有着出奇的迷恋，他会将二者结合，拿捏着神秘不触及底线的微妙尺度，去重现他对脑海里幻境的怪异妙想。

“不知道怎么，我的摄影都基于想象和记忆去创作，所有都是生活和幻想的一块块切片。”

即使在可以用PS等电脑软件快速编辑合成图像的今天，杰里·尤斯曼仍然坚持在暗室里手工制作相片。

增减图像以及观察图像显影的过程是这一方法的核心，杰里·尤斯曼认为，“让空白像纸转变为黑白照片的化学过程就好比‘炼金术’。”

杰里·尤斯曼的废片数量很高，但是他丝毫不烦恼失败，他的成功得自于他的机敏和经验。在实现最满意的效果之前，他通常要废弃很多张照片。

每次拍摄完照片后，他都回到家里的工作室，将几百张底片放到桌子上。

然后通过小样选片，自己先预估下视觉的可能性，然后将挑选完毕的底片带进暗房，开始“制作”照片，底片通常有一张作为背景。

在他看来，“成像后”意味着每一张新作品都是一次新鲜的旅行，不到最后他永远不知道照片会是什么样。

正如他说的那样：“最终，我的梦想使我自己都感到惊讶。”

That is not the age, 2003

杰里·尤斯曼善于把握“忧郁”，这一意境最早在15世纪的欧洲艺术中得到表现。

英语中的“忧郁”（melancholy）一词通常指简单的悲哀，但在文艺复兴时期，它更接近于爵士中“蓝调”的意味，其所指的“忧郁”具有变革力、苦乐参半，最终使人情绪高涨。

杰里·尤斯曼作品中的“忧郁”从来都不是愤怒或绝望的，而是必要的，并蕴含着深刻的思想。

他的作品表现了变化一刻的不确定性，或者变好，或者变坏，将要发生而又未知的一切引起了内心的骚动。

总之，尤斯曼的作品可以用多种方式解读，尤斯曼拒绝对他的任何一张作品给出明确的阐释。

不断探索新事物的想法，使杰里·尤斯曼在几十年的摄影生涯里一直保持着旺盛的创作精力。

他偏爱光对于人像摄影产生的奇妙化学反应。

天启 II，1967年

杰瑞·尤斯曼说：“在暗房里，我可以静下心来，进行内心的对话，把我在外面拍到的影像和我内心的思绪结合起来。”

这一组黑白人像，让人联想到了希区柯克的黑白电影，复古之余，甚至带着神秘、悬疑感，强烈的光影营造了叙事感和故事性，让人感觉接下来总会有什么发生。

他的作品不是用照相机直接拍摄下的样子，而是经过编辑的，是对自然世界的抽象表现。

从这种意义上说，杰里·尤斯曼的摄影属于“人为摄影”，但它们仍然是“诚实”的，而且他研究的复杂主题不易用直接摄影来表现。

他的摄影探索了想象与记忆的领域，这些场景是人们闭上眼时才会浮现的。

他的照片是深层心理学的，虽然它们描绘了异乎寻常的情景，但却反映的是日常生活中的希望、恐惧和紧张。

它们是情绪化而刺激的，但同时又是聪颖而冥想的，它们或许会令人不安，但从不会失去希望，杰里·尤斯曼永远使他的作品笼罩着幽默与情感的色彩。

就像是要把悄悄话大声喊出来一样，杰里·尤斯曼致力于自己的一种视觉语言，去戳探所谓禁忌环境笼罩下的薄纱，去突破大众思维中对所谓“恰当”和“理应如此”的定义。

他想要打破时代流传的审美常态，因此他不希望照片中的人被辨认出来，希望镜头里的每一个模特都是因为足够经典而被观众记住。

所以他让模特们裸身，模糊他们的面容，使他的摄影作品像梦境一样。

他希望用作品去探索一个人们冥想时才能看到的世界，那是一个充满可能性、想象力与创造力的世界，可以是有趣的、浪漫的、晦涩的、令人困扰的。

可以说，杰里·尤斯曼的摄影作品改变了摄影理念的发展。

每一次观赏他的作品都是一种享受，透露着冷淡、疏离，在朦胧、极简之中，体现了不一样的蒙太奇风情。

没有绚丽摇曳的华美，反而像一张张安静浅淡的素描，白描的笔触极尽素雅，有一种淡漠含蓄之美，如同从旧时光里的默片，无意中截取的一帧。

在过去的四十多年里，杰里·尤斯曼在世界各地举办了一百多次个展。

其摄影作品被世界许多博物馆永久收藏，其中包括纽约大都会艺术博物馆、纽约现代艺术博物馆、华盛顿美国国家艺术博物馆和京都现代艺术国家博物馆等。

而这是源于他对于摄影拥有独特的见解，而不被他人左右，通过一张张照片的积累，形成了自我风格明显的摄影体系。

在杰里·尤斯曼的镜头下，一张照片似乎已经不再简单的是一张照片，而是成为了一段史诗、一种情绪、一封情书、一段呢喃。

拍摄得不落俗套，如雾散开，如同一场没有边际的梦。

也许摄影只是一名摄影师与世界对话的自我语言，呈现给众人自己眼中的一切，打动他人，吸引同类。

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