艺术家雷诺·奥德霍恩：保持诗意，移除一切不必要

荷兰艺术家雷诺·奥德霍恩（Reinoud Oudshoorn）常被人问“是否对数学有着某种执着和迷恋”，他的作品总是遵循着严格的秩序感，没有多余的色彩与装饰，像数学公式，最简洁、最抽象与最纯粹，却同时涵盖了一个巨大的世界。然而奥德霍恩无情回复：对我来说，数学只是一种工具。如同美学是一种工具一样、就像努力追求技术上的完美是我工作中的一个必要因素一样，但它本身不是一个目标。

雷诺·奥德霍恩个展「1.65」展出的手稿

是否与数学有关这不是重点，奥德霍恩的作品一如既往地呈现着极简主义艺术的气质，用最少的元素体现着尽可能大的空间。这也是所有数学家在践行的事。

2022年10月29日，Bluerider ART 上海·外滩呈现荷兰艺术家雷诺·奥德霍恩的中国大陆首展「1.65」，空间里有一条隐形的1.65米高的线，是艺术家定下的“视觉灭点”的高度。这条线将我们引向艺术家创造的另一个无限世界。

雷诺·奥德霍恩「1.65」展览现场，Bluerider ART 上海·外滩

灭点1.65

两条平行线在某个点聚集后消失，就是灭点。自古罗马时期艺术家就对透视有一定的认识，公元1011 年阿拉伯科学家海什木（Ibnal-Haytham）的《光学全书》（Perspectiva）翻译拉丁文就是 “光的科学” 透视（Perspective），文艺复兴意大利画家马萨乔 (1401～1428)是第一位在绘画中使用线性透视，也是第一位在艺术中使用灭点技巧的艺术家。自此艺术家在营造平面绘画时，为使其具象化的透视手法在任何⻆度观看都只有一个灭点，将观者的视线牵引到艺术家想要带到的位置上，从而达到视觉上的收束。

雷诺·奥德霍恩「1.65」展览现场，Bluerider ART 上海·外滩

“如果要我做一个展览，每个雕塑的灭点都应该在同一条水平线上。当我做好第一个在地板上靠着墙的作品时，我无法改变灭点的位置了。因此，我决定将我所有作品的灭点高度定为1.65米。”

因而在Bluerider ART上海·外滩「1.65」中，这条线将艺术家所有作品贯穿起来，并将观者引向一个返璞归真、略带诗意的空间中去：没有多余的色彩，也没有多余的装饰，原本的木材、原本的钢铁、原本的磨砂玻璃。“我喜欢用一种纯粹和淳朴的方式使用材料；钢必须看起来像钢，玻璃像玻璃，木头像木头。这就是我不使用颜色的原因。”

雷诺·奥德霍恩「1.65」展览现场，Bluerider ART 上海·外滩

当观众被牵引至灭点，会被吸引至新的思考维度中，这是艺术家喜欢并擅长构建的一种空间物理体验。我们看到的更多的空白不是空白，是一种感官的自我延伸，延伸到一个无限的空间中去。就像奥德霍恩所说：“一件作品所营造的空间必须大于它所占据的空间。”

雷诺·奥德霍恩个展「1.65」展出的手稿

因此在雷诺·奥德霍恩的展览中，每件作品都有自己的身份，将墙壁延伸至三维空间，作品之间的互动也变得至关重要。早年一些艺术评论家认为，通过雕塑的放置和组合，观众可以感受到整个空间被赋予新的物理体验。所有作品共享灭点成为艺术家统一体验的构想，自此，整个展览就变成了一个装置作品。

“我试图从雕塑中移除一切不重要的东西，而不让它失去诗意。”

Reinoud Oudshoorn, C-15, 2015, Frosted glass and iron, 75x75x13cm

Reinoud Oudshoorn, C-12, 2012, Iron, 90x90x19cm

Reinoud Oudshoorn, C-10, 2010, Iron, 70x169x18cm

Reinoud Oudshoorn, K-10, 2010, Iron, 112x277x109cm

Reinoud Oudshoorn, K-18, 2018, Birch waterproof plywood, 90x75x36cm

极简主义的养成

“小时候我喜欢画画。当你在一张纸上画一条线，然后把它变成一个无限的空间时，那是一个神奇的时刻。”

Reinoud Oudshoorn, E-21, 2021, Steel and frosted glass, 64x69x25cm

Reinoud Oudshoorn, G-21, 2021, Steel and frosted glass, 64x64x22cm

Reinoud Oudshoorn, D-20, 2020, Steel and frosted glass, 65x65x16cm

奥德霍恩在荷兰东部的乡村长大。最近的邻居和铺设的公路距离他的家有1.5公里。小时候的奥德霍恩喜欢一个人在田野和森林里行走，尤其是在雾中。“在那里，我感到快乐，可以在脑海中神游，并开启无限遐想。”这种迷雾中行走的经历，后来在他的作品中得以体现。“我在雕塑中使用钢铁来创建三维结构，使用磨砂玻璃表现深度，这类似于在雾中行走的体验。我使用层叠的木材创造出触感强、易于触摸的量体。”

在雷诺·奥德霍恩工作室里

在奥德霍恩8岁的时候，就已经对荷兰画家蒙德里安（Piet Cornelies Mondrian）以及因他创办的杂志《风格》（De Stijl）而得名的荷兰风格派运动（De Stijl）作品有了感觉。风格派主张艺术语言的抽象化和单纯化，将作品的色彩限制在原色、黑色和白色上。艺术家们共同关心的问题是简化至本质的艺术元素，平面、直线、矩形成为艺术中的支柱，并通过数学的计算来达到视觉平衡。不可否认，后来在奥德霍恩职业发展的初期，荷兰风格派运动不可避免地影响了他的选择。“在我23岁的时候，我受邀参加阿姆斯特丹美术馆的一个群展（我的一些作品纳入了博物馆的收藏）。几年后，令我非常高兴的是，我的一幅画作与蒙德里安和马列维奇的画作并列展出。”

奥德霍恩在18岁时看到了犹太艺术家巴尼特·纽曼（Barnett Newman）的作品展，那是在阿姆斯特丹美术馆举办的回顾展，他觉得大开眼界。像《凯瑟拉》（Cathedra）这件画作，其宽敞的空间、强烈的蓝色和旁边的白色带状线条，让人目不暇接。“就像你可以走入画中一样。对我来说，那是一个起点。”

巴尼特·纽曼（Barnett Newman）的作品《凯瑟拉》（Cathedra）

三维空间、透视、对和谐的渴望以及对经典透视法则的迷恋，这些因素在雷诺·奥德霍恩的创作中扮演了重要角色。离开高中后，他选择在阿尔特兹艺术学院（AKI School of Arts, Enschede）学习。他的才华获得了肯定，但一年半后，他感觉看够了而搬到了伊比萨岛(Ibiza)，在岛中央的一个小房子里居住数月，希望藉由日复一日沈浸于创作中而有所启发。为了赚取生活费，他在闲暇时间清洗私人游泳池。近一年后，雷诺·奥德霍恩决定返回荷兰。通过画家卢卡森(Lucassen)，他被阿特利尔63学院(Ateliers 63 Haarlem)录取，在那里他遇到了安苏亚布洛姆(Ansuya Blom)、伊莱康特(Eli Content)以及后来的埃里克安德烈斯(Erik Andriesse)、玛琳杜马斯(Marlene Dumas)和利奥弗罗金德韦伊(Leo Vroegindeweij)。

奥德霍恩在这里找到一种被真诚对待的归属感。大家对作品进行了批判性的讨论，并建立了终生的友谊。在63学院最后一次展出之后，奥德霍恩搬到了阿姆斯特丹。而他为 63 学院最后一个项目展出的作品获得阿姆斯特丹美术馆的邀请，奥德霍恩因此参加他们 1976 年的展览「11 位画家」。

1970年代后期，雷诺.奥德霍恩受到了 Jan Roeland、Ad Dekkers、Ben Akkerman 和 Carel Visser 以及 Elsworth Kelly 作品的啓发他越来越多地开始设计雕塑，先是伴随着绘画一同创作，但他最终搁置了颜料和画笔。

（艺术史学家、艺评人皮耶傑·泰根博斯（Pietje Tegenbosch ）《The Magic of Mist霧的魔力》）