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采访 / Art-Ba-Ba办公室

图片致谢受访藏家、相关画廊及西岸艺术与设计博览会

相较于以往西岸艺术与设计博览会的整体面貌，基于你们对艺术生态和艺术市场的观察，本届博览会带给你最大的感受是什么？同时能否为我们推荐5-6件值得我们在现场关注的作品，并向我们介绍你对作品的理解？

 Louis Li：

西岸艺术与设计博览会维持了以往的专业程度和高品质，所以首日去观展熙熙攘攘，人气很高。对于藏家来说，这不仅是一年一度购买作品的好时机，也是接受审美教育的重要场合。西岸艺博会的意义对我而言，可以看到国际与本土的对话，并旁观这种比较，是一个自省又自信的过程。因为有国际顶级画廊的加入，使得我们的本土画廊和艺术家们更加成熟，更加丰沛。

现场首先要推荐的是埃默格林&德拉塞特 (Elmgreen & Dragset) 的作品《On Target, Fig.9》，这对艺术家组合常常以戏谑和冷幽默的语气描述个体的生存状态。这件瞄准却又偏离靶心的作品，像极了一个趣致的隐喻，一个让人会心一笑的尴尬瞬间。在这里也向大家推荐艺术家在杭州天目里美术馆的个展“拂晓 (After Dark) ”，我和朋友们上周参加了预览派对，作品的场景感非常好，很值得专程造访。

 郭佳鑫：

今年西岸博览会给我的整体印象就是众多画廊都做了十分充足的准备，让我很真实地感觉到艺术生态正在慢慢复苏。比如在A场馆的西方画廊就呈现了很多高品质的作品，像Timothy Taylor画廊带来了菲利普·加斯顿 (Philip Guston) 和亚历克斯·卡茨 (Alex Katz) 的作品，另外画廊老板本人也特意来到上海。之前在中国的藏家总会相互讨论到大画廊带进中国的作品可能质量不高，或者不是艺术家的重要作品，但今年给我的感受截然不同，有很多画廊还特别为这次博览会策划了很多主题性的个人项目和群展。

我首先要推荐的第一件作品来自艺术家藤原西芒。施博尔画廊展出的影像作品《从前有个Who？》用定格动画的形式探讨有关自我身份认知和当代社会中的身份建构的议题。需要强调的是，我对在国内艺博会中看到这样与众不同的作品是感到既惊喜又惊讶的，尤其在中国目前相对特殊的环境下，不仅因为影像作品在艺博会中不利于销售，更是因为这件作品的意图十分明显，甚至是相对敏感的，这也让我非常敬佩施博尔这样一个一如既往保持先锋性的画廊。

 蔡坚：

最大的感受就是：终于开了，太不容易了！今年一年的艺博会都相继取消，大家其实对11月的上海还是充满期待的。在这种疫情的情况下，作品能运进来，艺博会能正常举行确实是十分不容易了。就是希望早日恢复正常，更多好的作品能运进来，能更加精彩。

首先要推荐现场看到的藤原西芒的作品《从前有个Who？》。施博尔画廊用一个小空间，呈现了藤原西芒 “who the bear”项目的几件作品。包括绘画雕塑和一件定格动画的录像作品。藤原西芒创造了一只卡通熊，这只熊其实是一个图像，艺术家通过这只熊的成长，来处理平时所接触到的庞杂的图像信息，并以此处理不同领域的多重议题。用出乎意料的方法巧妙地探讨重要文化议题，这是藤原西芒一直以来的创作方式。

这届博览会除了参展画廊单元之外，Al PLAZA xiàn chǎng、Dream video影像以及perspective视角单元中还呈现了有关新媒体和NFT数字艺术的作品，能否与我们分享你对这些新兴艺术形式作品的关注以及看法？

 Louis Li：

我对于影像这个媒介越来越感兴趣，可能和我本科读的是电影有关。相反的，我对NFT数字艺术品的关注和收藏就比较滞后了，一直持一个观望的态度，NFT作品的终点还存在很多的不确定性因素，例如货币和区块链的局限，要等到虚拟世界对于“Property”资产的定性完全成熟后，才能完全决定其价值。

 郭佳鑫：

我一直都在关注影像，而且我的收藏体系中有很大一部分都是影像作品。就像我刚刚提到我为什么会对在艺博会中看到藤原西芒和亚历克斯·达·科特的作品感到惊喜，因为我通常不会特地在艺博会上关注影像作品，毕竟影像作品相对于架上作品并不利于出售，所以我也几乎不会期待在艺博会中出现这样独特的影像。其实在我出国之前，我几乎不关注西方的影像艺术家，但在我出国以后，我渐渐把以前对国内艺术家影像作品的收藏兴趣和关注转移到了国外艺术家。我后来意识到这和我观看作品方式的变化有关。由于国内艺术家创作的语言和作品所处的语境在根本上仍然围绕着本地文化的根源性展开，但影像创作似乎也不必要和自己出身或生长的文化背景过多的相连，可能可以是基于创作方式本身，或者在世界语境下，在意识形态上有关人类身体和情绪的讨论。至于数字艺术的作品，我个人还是持有相对保守的态度，因为NFTs对我来说可能更像是金融产品，而不是艺术作品。我认为创作不能服务于NFT，而是NFT服务于艺术创作。

能否谈谈你最初是如何开始进入收藏的？是否可以向我们介绍1-2件你的藏品？

 Louis Li：

对艺术有与生俱来的一种喜爱和亲近，觉得艺术品是必需品，所以收藏是自然发生的。从2014年开始进入，随着我的酒店品牌Jackalope Hotels的不断拓展，和我的艺术空间Jackalope Pavilion的开启，藏品在不断丰富，但收藏主线始终围绕着宇宙观和神秘主义展开。然后就介绍一下我最新的两件藏品吧。阿丽莎·柯维德 (Alicja Kwade) 是我最喜欢的女性艺术家，她擅长提炼各种材料的物质属性，挑战日常物件的惯有逻辑，在我看来是当代“形而上”艺术的代表人物，这件由石头、黄铜和镜子组成的作品旨在探索无尽和平行宇宙。

 郭佳鑫：

最初介入艺术品收藏的理由很简单，我最早是学习从事纯艺术创作的，当我意识到自己没有办法成为我理想中艺术家的状态时就转向艺术品收藏领域了。这件达伦·贝德 (Darren Bader) 的作品本身是没有标题的，是一件并不像它表面看上去的严肃影像，影像中一直在动的手被运用的非常微妙，尽管和我们的肢体极为相近，但这种持续的简单动态便逐渐显现其强烈的诙谐和幽默的气质，这也是贝德一直以来创作的风格。

 蔡坚：

我主要身份是艺术家，本身经常要研究艺术家，看其他艺术家的作品。当你发现有人跟你在处理着相同的一些事，而且有着跟你不一样的又有趣的见解或处理方式，就很容易被吸引。介绍最近收藏的一件汪建伟老师的雕塑《行于泥浆 No.8》(2022)。汪老师是国内最有代表性的总体艺术家，我对汪老师的工作方式很感兴趣，他一直在未知的领域探索，不断的拓展自己的媒介和语言，不断的自我陌生化，而又形成自己的一套风格和美学。作为艺术家，这是令我深受启发的。

藏家在艺术生态的链条中一直发挥着至关重要的作用，你认为藏家在目前当代艺术场域中的处境相较以往有怎样的变化？以及你认为这个角色所能够发挥的价值应当更多的在哪方面被期待、重视和讨论？

 Louis Li：

1. 收藏的精神

我一直很同意Art is the highest form of hope这个说法，最近和很多同好藏家交流时发现大家过去两年收藏的作品都具有舒缓、平静、治愈的特质，在艰难和焦灼的时刻，藏品的装饰作用和金融属性会减弱，精神指引会增加。在这里我想向读者推荐一本书，阿兰·德波顿 (Alain de Botton) 和约翰·阿姆斯特朗 (John Armstrong) 撰写的《Art as Therapy》，书中梳理了一些艺术的疗愈功能案例。

 郭佳鑫：

这个问题对我来说可能还是需要先回到有关影像收藏的讨论。相较于收藏架上作品，收藏影像的藏家确实稀少。但据我所知，现在国内外的机构都十分支持影像创作，就像王兵一直在影像收藏领域起到强有力的助推作用，他现在作为香港M+视觉文化博物馆新艺术收藏委员会主席也一定会为影像艺术的发展做更多的努力。另外也有越来越多的画廊开始代理年轻的影像艺术家，所以我认为藏家能够起到的作用一定不是局限在其个人的收藏，而是他们所带动的能量。现在的藏家群体逐渐年轻化，在收藏方向上也越来越包容、开放、大胆，也更希望把好的艺术创作扩展到更广阔的领域范围，同时潜移默化地吸引更多新的藏家。我们和我们同辈成长的艺术家之间维持着朋友之间相对紧密的关系，我们甚至会直接和艺术家讨论，或者评论他们的作品，这可能和以前藏家与艺术家的关系不太一样，也因此构建起属于年轻藏家之间的全新的生态。

 蔡坚：

我其实进入收藏的时间相对较短，藏家处境的变化我还没感受到，毕竟我从头到尾就是个“pdf藏家”。但其实还是期盼尽快能正常，可以出去看到其他的艺博会，更多优秀的画廊能进来，更多好的作品能进来。我觉得藏家其实也应该具备一点理想主义的。可能难度在于信息这么多，展览这么多，作品这么多，怎么始终能比较清醒的分辨，选择，支持好的艺术家。

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