洛克菲勒艺术基金会在震旦博物馆以系列展的模式，跨越了时代、流派、背景的东西方艺术，从上海推广至全国各地，完成“艺术赋能城市，文化带动产业”的任务使命。

2022年7月8日，“洛克菲勒艺术基金收藏展：西方艺术大师”在上海震旦博物馆开幕。本次展览甄选5位世界级西方艺术大师的百余件作品，时间跨度从19世纪末到21世纪初，囊括代表立体主义的发起人巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）、超现实主义的先驱萨尔瓦多·达利（Salvador Dalí）、后印象主义艺术家阿曼迪奥·莫迪里阿尼（Amedeo Modigliani）、形而上主义的翘楚乔治·莫兰迪（Giorgio Morandi）、新写实主义著称的阿曼·皮埃尔·费尔南德兹(Arman Pierre Fernandez)。西方艺术史上不同时代，不同流派，不同背景的艺术家作品同时展出，包括了水彩、版画、瓷器、装置、油画等不同媒材。也是洛克菲勒艺术基金进入中国后首次正式的合作展。

洛克菲勒艺术基金品牌总监徐歆洁（左）

震旦博物馆执行长黄圣智（右）

《洛克菲勒艺术基金收藏展：西方艺术大师》展览采用了新型的展陈方式，5位西方大师的作品分属于不同颜色区域，并充分利用展陈空间，在安藤忠雄设计的筒状结构中，采用珠宝柜展出达利的“十二星盘”，且配以天幕打造整片星空。更多精彩，观众可亲临展厅自行挖掘。洛克菲勒艺术基金会在震旦博物馆以系列展的模式，跨越了时代、流派、背景的东西方艺术，从上海推广至全国各地，完成“艺术赋能城市，文化带动产业”的任务使命。并今年计划在中国落地以“洛克菲勒艺术中心”为主的项目，以艺术文化、国际交流为核心，并逐步推进项目的筹划、建设，同时保证持续进行运营和相关服务。

展览现场

艺术家介绍

巴勃罗·毕加索

巴勃罗•毕加索（Pablo Picasso，1881-1973），现代艺术代表人物，西方现代绘画史上最重要的艺术家之一， 20世纪最有创造性的艺术天才。他开启了立体主义、新古典主义、超现实主义多个绘画流派，并对西方现代艺术史产生了深远影响。代表作品有《格尔尼卡》（西班牙马德里索菲亚皇后博物馆）、《亚维农的少女》（纽约现代艺术博物馆）、《生命》等。毕加索一生高产，有近4万件作品存世，也是有史以来，第一个活着看到自己作品被卢浮宫收藏的艺术家。本次展览展出毕加索的陶瓷、石板版画、油毡版画等，包括《斗牛士》和蓝色时期的《母与子》等代表作。

萨尔瓦多·达利

萨尔瓦多•达利（Salvador Dali,1904-1989），超现实主义艺术家，与毕加索（立体派）、马蒂斯（野兽派）并称为20世纪最有代表性的艺术大师，作为美国时代人物曾登上《时代周刊》封面。达利的超现实主义创造力不仅体现在绘画方面，还在电影，珠宝及舞台设计方面都有涉猎。他的绘画技巧受文艺复兴时期绘画的影响，他把怪异梦境里的形象与卓越的写实绘画令人惊奇地混合在一起。《黄道十二宫黄金盘》基金会限量版是他重要时期的代表作品。此外，达利两撇小胡子已变成时尚符号，影响了后来的波普艺术等诸多流派的艺术家。

阿曼迪奥·莫迪里阿尼

阿曼迪奥•莫迪里阿尼（Amedeo Modigliani,1884-1920），意大利国宝级画家，现代主义艺术家，20世纪初法国“巴黎画派”的代表性画家之一，毕加索的挚友。代表作有《斜躺的裸妇》（曾为纽约现代艺术博物馆展览图录封面），《穿黄毛衣的珍妮》及《夫妇》等。莫迪里阿尼的作品受到东方绘画的影响，吸取塞尚表现形态结构的方法，并且把形象通过夸张变形而特别拉长。本次展出的作品包括《毕加索肖像》、《自画像》及诸多女性肖像作品，出自意大利莫迪里阿尼研究院共17件，该研究院于2004年，由时任意大利共和国总统卡洛•阿齐格里奥•钱皮支持，将存放在法国巴黎的档案及作品，移至意大利罗马，并由珍妮•莫迪里阿尼（莫迪里阿尼唯一的女儿）成立了研究院。

乔治·莫兰迪

乔治•莫兰迪（Giorgio Morandi, 1890-1964），意大利著名的版画家、油画家。莫兰迪既推崇早期文艺复兴大师的作品，也对塞尚的静物和风景画感兴趣。在立体主义与超现实主义之间，逐渐形成了自己的风格。风靡全球的莫兰迪色系就是以艺术家的静物命名的，莫兰迪选择极其有限而简单的生活用具，以杯子、盘子、瓶子、盒子、罐子及普通的生活场景作为自己的创作对象，被称为“瓶子画家”，此次展览展出莫兰迪“瓶子”及“风景”系列的水彩作品。

阿曼·皮埃尔·费尔南德兹

阿曼•皮埃尔•费尔南德兹（Arman Pierre Fernandez,1928-2005），法国艺术家，他是少数仍在世就被写入西方艺术史的艺术家之一。1991年密特朗总统于巴黎爱丽斯宫(Palais de l’Elysée) 颁骑士勋章给阿曼。1993年阿曼获得了法国国家荣誉勋章。作为二十世纪最具创新精神的雕塑家，新写实主义创始人之一，他的作品深受达达派的影响，从绘画和版画到不朽的公共雕塑，“物体的艺术”是阿曼的艺术理念，物体堆叠，集积的美，对物体的形态有了新鲜的观察角度，对音乐也有了全新的理解。这次展览将呈现阿曼的标志性艺术作品，他将钢琴或弦乐器分解后再和谐的集积成雕塑，以阐释对音乐与艺术创作的独特看法。其诸多作品被纽约大都会艺术博物馆、伦敦泰特美术馆和巴黎蓬皮杜中心等机构收藏。

作品介绍

毕加索《母与子》

毕加索_母与子_Mother and child_1901年

h51×41cm_石板版画

《母与子》画于1901年。这是毕加索蓝色期的作品。1900年毕加索初到巴黎，只有19岁。只身一人到巴黎闯世界的他，一无所有。不久他又遭遇了友人自杀的变故，令他非常抑郁。这个时候他开始画几乎只有各种调子的蓝色。

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画作大面积使用蓝色，蓝色本身就给人一种抑郁的感觉，所以总有种说不出的压抑。这幅画将主体放在正中位置符合人眼视觉焦点，母亲低头深吻自己的孩子，画面表现力都基于人物的动作神态，给人一种绝望的感觉，表达了毕加索对于底层人们的同情之情，这就是我们所说的：艺术表现生活。

毕加索《走钢丝的杂技演员版号: 110/250 版》

毕加索_走钢丝的杂技演员_走钢丝的杂技演员

The acrobat_1995年_h51×w41cm_石板版画

这幅版画与毕加索此前一度追求人物造型的静态感不同，表现了一位运动状态的杂技演员的形象。毕加索把人体的结构打乱，然后重新组合成一个靠手脚并用维持平衡走在钢丝上的人形，与此前重新组合人脸的结构实出一辙。流畅的曲线将人物肢体扭曲，描绘出刚劲的人体轮廓，使得画面具有流畅感的同时又具有强烈的动荡不安的气氛，预示着毕加索此后对表达激情的偏爱。

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莫迪里阿尼

《珍妮·赫布特尼身着白色连衣裙侧坐画像》

莫迪里阿尼_珍妮·赫布特尼身着白色连衣裙侧坐画像

Jeanne Hébuterne seated in profile with white dress

1918_h89×69cm_版画

珍妮·赫布特恩是莫迪里阿尼的妻子。珍妮本人是黑发，脸略宽，是一个美丽的女子。不过，莫迪里阿尼以珍妮为主题画了无数的人像，初看画中却是另一个人。但是当你看了更多的珍妮画像之后，会感觉画像里的珍妮更窈窕，更妩媚，更楚楚动人。你会感觉到莫迪利安尼在画他心爱的人。

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这一幅珍妮的坐像具有莫迪利安尼典型的长脖子。他对人像做了很大的变形，但是他的变形塑造的还是美人，这一点是非常神奇的。

莫迪里阿尼《巴勃罗·毕加索》

莫迪里阿尼_巴勃罗·毕加索_Pablo Picasso_1915年

h89×w69cm_版画

毕加索与莫迪里阿尼是同时代的画家，好朋友。莫迪里阿尼1906年从意大利到巴黎，毕加索是1900年到的巴黎。他们后来都被评论界称为巴黎画派。1906年毕加索结识了马蒂斯，在马蒂斯那里接触到非洲雕刻。1907年创作了第一幅立体主义作品《阿维农少女》。两位画家明显的在风格上分道扬镳。毕加索把人脸各个部件打乱了重组，莫迪里阿尼则是尽量在不重组结构的条件下采取变形来拓展传统的美感。

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这张毕加索的像是1915年画的，毕加索当时是34岁。莫迪里阿尼画了一个模模糊糊的脸，看上去就像一幅草稿。我们只能说可以辨别出这是一个年轻人，有藐视的眼神。

乔治·莫兰迪《静物》

乔治·莫兰迪_静物_Still Life_1946年

h56×w66.5cm_水彩

很多人喜欢莫兰迪的静物画。他的静物画得非常的平静。一般画家画静物，都要摆一些错落有致的位置，前前后后不能太规则。比如塞尚，就是把桌面画的更加倾斜过来，增加物品的摆放面积，以期摆出错落有致的格局。莫兰迪似乎不是这么考虑。他不太在乎错落有致，他摆放的比较平淡，但是稳定。他的涂色也比较灰，没有跳跃的色彩。因此他画的静物特别的安静。

乔治·莫兰迪《静物》

乔治·莫兰迪_静物_Still Life_1959年

h56×w66.5cm_水彩

莫兰迪画的静物，用的一般都是饱和度不高的灰调子。即便是阴影或者受光面，都采用灰调子。这种执着是成功的，越来越多的人喜欢他这种色调，把他习惯使用的色调整理出来，叫做“莫兰迪色调”。

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油画本来的特性是色调强烈，使得画面具有冲击力。比如日本的浮世绘由于日本颜料的特性，色调饱和度低，比较灰。西洋颜料进入日本后，浮世绘画家们都纷纷采用，力图使得自己的画具有更鲜明的色彩，以期追赶西洋画的视觉冲击力。莫兰迪却反其道而行之，大获成功。

乔治·莫兰迪《风景》

乔治·莫兰迪_风景_Landscape_1946年

h56×w66.5cm_水彩

莫兰迪的风景画就是画他居住地的建筑和树木，他最熟悉的地方。这些风景画有一种乡土气。和他的静物画一样，他的风景画很简单，灰色调子显得很空灵，这样就与欧洲绘画习惯上的风景画大相径庭。比如巴比松画派的风景画色彩华丽，细节繁复。又比如印象派的风景画光影跳动，色彩较为鲜艳，画面由色彩组合的非常复杂。莫兰迪就是简单，灰调子。他的画法与写实传统毫无相似之处。他的用笔是稚拙的，厚重沉静却很随意，色块的积木式拼合，颇有一番童趣。

乔治·莫兰迪《风景》

乔治·莫兰迪_风景_Landscape_1958年

h66.5×w56m_水彩

他的风景画跟他的静物画，画法相似。就是简单的构图，平坦的色块，组合起来。树木和建筑，都是几何的色块，单调的灰色调。安静，平凡，在静默中又蕴藏着激昂的活力，唤起人们对于生命的意识。

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他的画面布局看似呆板，不拘泥于传统构图的模式。这幅画中的房子，还有点吴冠中的江南民居的意味。

这幅画是水彩。莫兰迪的油画风景要厚重一些，基调差不多。个人风格的辨识度非常的高。

阿曼《吉他与颜料》

阿曼_吉他与颜料_Guitar And Paint_2001年

h110×w80×15.5cm_装置绘画

这一件作品用解体的吉他，一些颜料管，固定在画布上。然后用丙烯在上面画了一幅非常随意的抽象画在上面。这些带着虚点的流畅线条，也许是吉他弹奏的槌弦或者打弦？还有扫弦？

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讲绘画与音乐练习起来的第一人是瓦西里·康定斯基。康定斯基提出音乐是最为抽象的一种艺术，而各种色彩的点、线、面能够在心理上产生类似于音乐引起的效果。因此他就尝试用色彩的变化，点线面的组合，来表现音乐一样的韵律和节奏。这就是最早的抽象画。

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阿曼热衷于用乐器和抽象画构建布上装置，表现一种蕴含了音乐的架上绘画。

达利《神曲系列》

达利_《神曲》系列之一_Divine Comedy Series_h50×w40cm_1960年_木板版画

但丁的《神曲》是文艺复兴时期的伟大长诗，以但丁与地狱、炼狱以及天堂中各种著名人物的对话为主要形式。达利将但丁富有韵律的诗句、精心雕琢的人物、怪诞不经的惩罚方式进行了深入的演绎，他将超自然和精神性的因素相融会，在作品中加入了自己独特的个性，将人物、天使、扭曲的身体结合在一起，创造出了达利版本的《神曲》。达利共为《神曲》全诗创作水彩作品以纪念但丁诞辰700周年。每幅作品皆为世上珍品，散落在世界各地，每幅作品就像是达利与但丁两位艺术家进行的一场关于生命、死亡、艺术、宗教的对话。作品的意义及稀有使这套水彩画集及其珍贵。很多我们所熟悉的达利的标志性符号同样穿插于他的《神曲》水彩画之中。