视觉设计师Primo Peng：通过IP设计、潮流艺术、虚拟时尚进行视觉艺术与多领域的跨界 | OF小酒馆

OF COURSE想当然

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彭笑天 | Primo Peng

南开大学 | 视觉传达设计

爱丁堡大学 | 平面设计

小红书签约数字艺术家

Behance/Zcool站酷 3D艺术专题推荐设计师

首届数字创意与国潮品牌高峰论坛论坛嘉宾

Design Day Marathon 设计马拉松铜牌

YoungBattle毕设奖 Top100

南开大学综合一等奖学金（周恩来奖学金）

第28届时报金犊奖

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您好！欢迎来到OF小酒馆，先来和我们观众打个招呼吧！

大家好，我是Primo Peng，彭笑天，叫我小彭就好。本科毕业于南开大学，硕士毕业于爱丁堡大学。相比于“新锐艺术家”，我更愿意称自己为2D/3D领域创作者，一位视觉设计师。

创作中专注于视觉艺术与多领域的跨界，创意实践中常使用潮流、时尚元素，不满足单一风格的限制，而是去创造风格。在经历国内和国外两种不同的艺术教育方式后，想要把自己对艺术、设计的理解表达出来，在实践中抒发情感。

“永远相信下一个作品才是最好的。”

您是平面设计出身，是什么时候决定开始在视觉领域上做一些数字艺术和3D艺术的尝试呢？

我从来不拘束自己在某一领域，只要是能让我感受到设计的快乐的事，我都会去尝试。

在本科时期，我的专业是视觉传达设计，学校为我们提供的课程非常丰富，能接触的领域也很广，包括传统绘画、书法篆刻、人物原画、三维设计、影像创意等等。这其中我对三维表现视觉很感兴趣，在计算机表现的课程上展现了极大的兴趣。

大概的时间点是17-18年，大二，在课下我自学一些软件，用C4D建模去做动态海报；18-19年慢慢接触到数字艺术作品，非常喜欢灰昼老师的作品，便开始了自学；19-20年，主创了南开大学百年校庆官方玩偶，个人IP Echo，天津文化IP Monkey Jin等作品。这大概是我在学习以及尝试过程中的经历。

可以分享一下您从南开大学到爱丁堡学习设计过程中的一些感受吗？有什么印象比较深刻的体验和经历？

南开大学带给我坚实的设计基础，爱丁堡大学是对我设计思维的一次历练。

南开时期的我是初次进入设计领域，从素质教育到专业教育的转变。这也是我真正爱上设计的时期。课程的丰富度让我感受到每一个细分领域的独特魅力，同学们也都在自己热爱的领域找到了自己的归属感。给我印象最深刻的是老师经常会请行业内的设计师给我们指导，例如汉仪字库的设计师，互联网大厂的设计师，行业大牛等等，我们感受到焦虑的同时也为未来定下了目标。虽然同属于视觉传达设计，但所应用的场景十分多样，毕业后同学们也都在各行业发光发热。

爱丁堡时期是一次挑战。本科毕业后选择出国的原因是想要在设计思维上有所突破，想要通过学习来对比国内外设计的异同。英国的艺术设计教育十分注重批判性思考和设计调研思维，在刚开始的课程中十分痛苦，不自觉地会本末倒置，认为视觉的输出才是王道，忽略了调研过程中出现的问题。经过一年多的学习和实践，我慢慢认识到了调研的重要性，某些时候，设计调研的过程中就能说清楚你的设计立意，甚至不用出现设计产出的草图，这是另一种设计的力量，也是我在爱丁堡大学学习到的最重要的东西。

2016-2022年两段长时间的学习经历，带给我的是多维度、多层次的认知提升，幸运的是，这是我热爱的，我愿意在设计这条路继续走下去。

《Rubberman Eric》这一系列作品让人印象深刻，您的创作思路是什么？可以跟大家介绍一下这个系列吗？

《Rubberman Eric》的原型创作于2020年3月，曾是一组个人练习作品，时隔两年为这组作品注入了新的灵感，同时也是一次探寻IP设计、潮流艺术、虚拟时尚的新尝试。

胶囊状的人物可以随意替换，互相组合，这种生动的多样性是跨界设计带给我的灵感，也是我个人兴趣所在。我希望找到一种方式来表现我所认知的视觉，在表面之下，去往深处。

在设定之外，才会充满期待。我在Rubberman可替换的特性中找到了自由创作的钥匙。

我们正处于一个不断在扩大的领域中，所有的定义都在逐渐模糊化。艺术是美的尺度，数字化重新定义了穿搭时尚，专业和领域不再是限制设计师的坐标系。这是一座桥梁，而不是目的地。作为一套个人练习，我通过使用多种元素完成自我表达，在混沌中探索新秩序的可能性。

您最近成功发行了自己的数字藏品，这个过程中有没有什么经验可以和大家分享？

注重“分享”。这个“分享”是多层面、多方向、系统性、有目的性的分享。分享的主体是你的创作，需要考虑的是目标群体，承载平台，以及分享的意义。

“数字藏品”需要被大家看到，所以需要宣发和推广。这里仅仅分享我个人的经验。我是在毕业之前完成的数字藏品的发行，我不仅仅将它当作一个收益，更重要的我想要把它当作我的一个IP品牌，宣传我自己，这样能够被更多的艺术家、团队和公司的Hr看到，为我的未来职业道路做背书。

设计师平台我分享在了国内的站酷和国外的Behance，都获得了专题推荐；大众平台我分享在了小红书，获得了数万曝光量，也获得了小红书的签约。所以“分享”需要考虑到目标群体，承载平台；同样的，主体作品的独特性决定了是否能走得长久。

如何利用作品传递出更具有自由度的表达？您认为创作工具和创作者之间的关系是什么？您又是如何看待技术和艺术的关系？

自由度的界限可以体现在不同的层面，例如思想的自由，题材的自由，技艺的自由。创作者用作品表达，越是不受限，就越个人化，思想化，情感化。这是否也是一种自由呢？当一个创作者把自由的限度统一，就越能用简单的技术来表达，而不是一味追求“效果”。另一方面，我个人认为越简单的东西越有力量，堆叠起来的作品并不能代表你在自由表达，试试用简单的设计去传递。

创作者利用创作工具完成作品；创作工具补充创作者某方面不足。创作工具不断在迭代，几乎不能实时掌握最新的技术，但创作者的思想、思维、敏感度不会丢失，这让每一位创作者有能力选择适合自己的创作工具，不能一味地追赶潮流。

技术（工具）决定下限，艺术（思想）决定上限。在系统的学院派教育体系之下，我们貌似喜欢追求思想上的完美，对于技术没有过多的苛求，否认“美工”身份的可能性。我的体会是，两者过于失衡的状态下，会选择转行/换专业。比较客观说法：侧重某一方面，用另一方面作为补充，不苛求精通，但要求合适。