【三宝·蓬友圈】No.001 潘寨民：我希望我的高温颜色釉绘画是一个摆脱既有陶瓷史的系统活动

浑厚、浓郁、苍茫、热烈——这是业内人士对潘寨民先生颜色釉瓷画作品表现方式的评价。透过【秘境】潘寨民高温颜色釉绘画展，人们或许会问，他系列作品表现的内涵又是什么呢？

颜色釉瓷画创作最大的难点是变化、神秘、未知。这个领域一直存在作者鲜、和者寡、知者少的状况。因为变化极强而难以驾驭，过于神秘而创作艰辛，未知太盛而耗尽精血，尝试者前赴后继，坚守者日渐弥艰。在各种环境比较艰难的当下，高温颜色釉瓷画依然呈现一抹靓丽的色彩。

作为古老而又特殊的材质，颜色釉从它成为瓷画的那一刻起，就已经给瓷画领域带来了强烈的冲击，它所传承的创新基因，也为瓷画创作带来了全新的突变，在惊喜、震撼的同时，亦增添了前所未有的灵动之美、天成之乐、自在之境。

其美者，美在云蒸霞蔚、美在流动之律、美在狂放之肆。其乐者，乐在意外之惊、乐在天成之喜、乐在回味之甘。其境者，境在云卷云舒、境在意象之外、境在无穷之际。

面对百年未有之大变局，不断探寻秘境，不断挑战秘境，高温颜色釉瓷画之魅力，必将在激扬时代与创作者才华交汇的那一刻撞击、闪耀、生机勃发……

—— 学术主持张勇

写在《秘境-潘寨民高温颜色釉绘画展》启幕之际

【三宝·蓬友圈】视频访谈No.001

Video interview

对话编辑 / 程莉芳

采访对象 / 潘寨民

No.1：潘老师好，这个月底，您在我们三宝蓬美术馆有一个自己的个展，您应该知道吧……

潘寨民：哈哈，刚刚听说。其实这个展览，嗯，应该也算是预谋已久。这个展其实说起来，要从2016年开始。我的高温颜色釉创作是从2006年开始，然后到2016年的时候，这10年期间呢，我基本上是一个非常饱满的精神状态去创作的。

为什么会这样呢，因为高温颜色釉的这个材质的魅力，我基本上是被这个魅力牵引，在这样非常高情绪的状态下的一个创作活动。

那么持续了10年，就2016年左右的时候，我感觉到了很多的问题，就是整个创作状态也不一样，会有两个问题啊。

一个问题，就是高温颜色釉呢他是非常丰富的，品种非常多，那我们这个创作活动，不能一直往这个上面去铺展啊，一味的去开发去探索这个釉的使用品种，这个活动会让你没有边界，你大量的创作精力会消耗在这里。

当然这10年其实是一个好的状态，因为这之间呢，出现过我认为比较好的一些作品，到了这个2016年以后，我就会感觉到创作上出现了问题。

一个呢就是刚刚说的，这个创作主体变得被动，被材料牵着走，因为这个材料太生动，嗯，就是太有魅力，对，他会牵着你走。那这个时候我就感觉，要变，也要改一改，然后也陷入到了这个一个低谷，一个低潮。

另外一个问题呢，就是这个创作，我自身的创作到底要往哪方面走，我的创作的语言系统是哪一些，我怎么去建立它，最终我的画面是哪一些画面？

我早期会经历很多的创作题材，从这个宇宙空间的、花卉的、水啊、山的这些题材等等，题材的不断转换，当然这都是不同的兴趣点，里面其实没有好大的逻辑性，就是个人兴趣。

那这个时候我也会考虑这个问题，那我的创作经历，今后的发展要往哪个方向去，把精力聚集到哪一个方向。那这个时候，大概就在这样的一个比较低迷的状态下创作了两年，就是创作感觉到很沉重，比较低迷。然后到2018年的时候，我就停下来了，我就到中央美院的壁画系，这个，研究当代艺术语言的这样一个研修班（去学习）。

在这个创作过程中，我接触到了很多优秀的当代艺术家，包括黄拱洪老师，池群老师，他们都是有所成就的当代艺术的践行者，他们的作品，都有了自己的方向，有了自己的语言系统。

那我是作为一个旁观者，这样来学习的。为什么讲是一个旁观者呢，因为我不再像读大学的时候那样，一味的就跟着老师跑，这个时候我会考虑到我的颜色釉的问题，我的方向问题啊，然后我是参照他们，反思他们的，从他们的创作方法论方面去考虑问题，而不是他们的技术。

《冈仁波齐》

No.2：等于其实您是带着这个材料工艺问题和这个绘画创作本身，很注重这两者如何实现一个结合？

潘寨民：对，我们高温颜色釉的话，这个材料语言，这个绘画，如果要成为一个画种的话，我考虑到，他必须要形成自身的语言系统，他必须有一个自己的词汇语法结构，他的表意系统。

如果这个高温颜色釉只是玩材料啊，这种偶然性，这种变化，无穷无尽的变化，那么他形成不了自身的体系的话，那么这样一个画种他是没法成立的。

会有很多人讲这高温颜色釉，很好玩，也很容易玩，就是没有很多门槛，只要有美术技术，或者说你没有美术技术你也可以玩。但也因为这个原因，高温颜色釉（绘画）也遭到了一些行业里面的质疑，包括其他画种的一些画家，他会质疑高温颜色釉的存在。其实只是转换了一个材料，你不过是用高温颜色釉材料来画国画、油画、水彩画，那么我们要解决这样一个问题，其实就需要做更深入的探究，和自身语言系统的建立。

所以这样的迟疑的时段，在最近的3年，在这两个问题的前提预设之下，我的创作基本上是解决这两个方面的问题。

一个是我要建立高温颜色釉的绘画系统，就是我会回到绘画性的这样一个基础问题上去，我的创作会回到，不像开始更讲究画面的完整性，画面的创意啊、格调啊、完成度，那我会回到绘画的，比如说他的书写性、他的绘画材料、材料语言、色彩间的衔接，这个色彩系统的控制，从这些基础问题来建构。那么最近的这个展览，其实我的部分作品就呈现这样一个结果，一个实验的结果。

另外一个，画面建构的我自身的语言系统，就是画面追求了，往哪方面去追求一个画面形式，这是所有的艺术家要面对的问题。你最终的画面，是一个只属于你自己的画面。

《怒江源》

No.3：我对您作品一个整体的印象，很感性的两个关键词，就他特别华丽，色彩的华丽感，还有您整个儿的作品，其实他有一种钝感的力量在里面，但是我不知道这种钝感，是因为您的人带给我的感觉，还是作品本身。自己有试图总结过吗，比如说有3个或者4个关键词啊，去看一下作品带给您自己的感受。看这一组作品的时候会有什么感觉？

潘寨民：我觉得这个关键词，我一下子是找不出来的，但是我的创作里面我觉得贯穿的一个【变】，就是流变啊，一个关键词就是变化，就是变化这个词，是一个创作的态度，也是作品呈现出来的一个样貌，就是我所有的作品始终是在一个变化之中的。

就是这个材料，在创作的过程中，他们与作者是一个平等的状态，一个合作的状态，就是你被一个材料吸引的时候，你会顺着这个材料来创作，你不完全是一个主观的，胸有成竹的一个状态。

高温颜色釉的呈现是面临各种机缘的，就是各种动态的机会啊。因为每一次他是厚是薄，你组合的颜料是三块颜料还是四块颜料，上下之间啊，他会产生变化，窑火的变化，窑位的变化，是一个非常动态的过程。所以，我对作品的创作过程不会去预设一个非常死板的结果，其实我让他保留这样一个状态，这是我创作的一个基本态度。

我可以去接纳这样的一个态度，就是你会让材料说话，但也不是一味的去听材料的，因为你会在这过程积累总结，他是有一定的规律的，他是在可控与不可控之间的一个度，一个平衡。

作品样貌特征的话，我觉得这个华丽，他就是这高温颜色釉本身富有的这样的一个气息是吧，这样的一个样貌，然后你说的钝感的话呢，是我个人追求的一种审美特质，我认为他是一种厚重美，厚重美是我所追求的，这个跟我个人的审美趣味有关，你说的一个钝感力啊，或者是我个性里面可捕捉的部分，他会有的。

《莲池》

No.4：您怎么看待三宝蓬这个园区？

潘寨民：三宝蓬，我觉得现在应该是每一个景德镇人心中非常高大的一个存在啊，这个作为一个文化艺术的综合的开放中心，他集中展示了一些艺术家的作品，还开展了丰富的文化活动，这是一个城市的理想的汇聚地。

No.5：您是我们三宝蓬美术馆的老朋友，2017年我们的【西席-陪你读书】活动，您是首期嘉宾，现在这个栏目他已经快到100期了，而且它的形式也发生了很多变化，从最初的【西席-陪你读书】、【西席-三宝游学】、【西席-瓷语对话】到今天的【西席-艺术文献】它有很多形式和内容的一些流变，嗯，，就是现在回过头看一下，走过了几年时间，您会怎么来看待【西席】这个品牌，还有三宝蓬美术馆这些年坚持做的公益文化活动？

潘寨民：回顾这个过程，我觉得是一个非常好的体验，2017年我在这里做了四期的【西席-陪你读书】啊，这个经历至今难忘，也在这个活动中，我认识了很多的读者朋友。

读书呢，也是我生活的一个重要组成部分，是我持续至今的一个爱好，就像旅行。那么这个爱好我觉得，是一个很好的生活方式，也是一种对话，我们在读书的过程中，会跨越时空的局限，我们生活在一个小城，但是我们活在一个很大的世界里面，活在一个非常丰富的精神世界里面，我们不认为在一个小城而受局限。

《沙漠之魂》

No.6：我们回到这个创作和绘画本身啊，景德镇有非常多的人在从事陶瓷绘画创作，那么您觉得绘画带给您的，是一些什么样的……

潘寨民：其实我们每个人的生存，都是因为在从事某一个具体的工作、某一项事业、某一个活动，我们在这个过程中去学习、去反思、去提升自我和完善自我，我们都会在这样的一种工作中来完成我们的人生，实现我们的人生。

我们的价值和意义都在这个活动中来展开，那么画画也是这样的。

景德镇的陶瓷绘画，从传统的这种手艺人的这种状态，然后逐步的变为更加开放的一种创作，艺术创作的活动，跟他的时代有关系，跟他的创造群体的改变有关系。我们不是作为简单的一个陶瓷工人，一个画工来做，我们是因为爱好因为兴趣因为事业，因为我们想把这样一个行业，比如我把高温颜色釉这样的一个创作活动作为我毕生的一个事业，那目前来讲我已经从事了接近20年的时间。

我把绘画当成了一个自我的叙说，一个自我的对话方式，因为我画画的话，我会在一个很封闭的独自的空间里面，我会把它当成一个自在自足的方式，一个很很舒适的状态，我觉得我的绘画是这样一个存在。

我的绘画主题都是自然主题，可能我不希望很多的艺术活动是一种被牵制了的，被很多东西限定了的活动，我希望是一个开放的，展开的，探索性的活动。

我去自然徒步登山，比如我曾经在2009年去独自背包去西藏的墨脱，走了5天，从这个波密走到墨脱，然后到冈仁波齐转山两天，也去过梅里雪山，一个人背包，5天的外转和内转，去了很多的这样的景点或者雪山，户外的这种荒野啊，我很喜欢荒野这个词，我觉得荒野它代表了一种未知，一个未被定义，一个没有被文化开发的状态，所以我希望我的绘画呢，是一个摆脱既有的绘画美术史的系统的活动，是一个偏离的活动。

《秋风起1》

No.7：平时除了绘画之外，您还有阅读的兴趣爱好，然后还有一个就是徒步、登山，嗯，也很喜欢带着周围的朋友，家人一起去体验。

潘寨民：每次去自然里面我会发现很多的美妙的事物啊，我现在逐步的从独行侠到很喜欢有玩伴的这样的一个转变。

一个人出去玩跟一个群体的活动，是很不同的。群体活动它是一个非常轻松的状态，我会考虑大家的感受和大家的身体状况，考虑到路线的安全性。

那一个人的活动会是一个反思的活动，怎么理解反思呢，你在徒步的过程里，全程是一个独自的，没有语言交流的活动，然后这个时候你会把自己放空了，你会把自己的存在降低到一个很灰色的状态，你会更自然。然后自然的话呢，自然我们不是去解读他，而是去感受他，你会在这个过程中会碰到一些没有预设的惊喜啊。

我特别不喜欢景点旅行，就是一些人为规定的东西。

其实总结一下，户外旅行可能是满足了我的一个好奇心，和一个探索的欲望啊，就是包括阅读也是这样，求知欲其实就是一个探索欲，求知其实就是一个满足探索欲望的过程。我们去旅行也是这样的，其实我们想打开地图，打开这个游戏的地图，我们生存的这样的一个空间，希望他是一个有更大的，未知的东西，因为未知很有吸引力。

我们在解读自然的过程，其实是一个祛蔽的过程，我们会逐步抛开已有的一些既定的习惯性的思维，然后会重新去挖掘他的可能性，就是这个跟创作我觉得是一体的，其实我们创作也是这样的。

因为这个材料本身是自然的一部分，矿物原料是吧，然后我们用矿物原料用自然属性，用自然之道比如变化来搞创作，我们人其实只是在这里面的一个小部分，我们所做的事情，只是让这些偶然的因素聚合在一起。

我们所谓的创作者，其实，我们只是一个聚合者。我们没有创作任何东西，我们只把一些想法，把材料的属性，把这些规律聚合在一起，然后生成了一个新的物，这就是自然的奇迹，我很着迷于这一点。因为，这个未知的这个过程，这个最后出现了，我们意想不到的这样的一个作品，这样的一个结果，我认为是一个赋予奇迹的过程。

《0000寿寺古桥》2

No.8：在您最近的创作里面，当然前几年已经开始，会涉及到一个题材是关于桥的。其实我也很喜欢桥这个符号，您画的桥，很多是山野里面那种乡下的淹没于那些草丛之中，现在已经很少有人会去走的那种老桥，距离现在有一两百年两三百年历史啊，有一种时间的沉寂在这里面。从抽象的符号上说，他有一种链接感，链接人与自然，时间的过去和现在，链接现在和未来，然后呢，桥他是一种人为的建筑工程啊，一种人为的痕迹在自然里面，一般他由石头啊，这些很硬的材料组成，他跟山野里面这种树木草丛，大地的泥土，他会形成一种材质语言和肌理上的对比……想听您说说，为什么最近会比较倾向于这样一个题材的创作？

潘寨民：其实你刚才都已经把这个我为什么画桥的意图，桥本身的内涵说出来了。我一直喜欢画桥，因为这些桥基本都是我们浮梁地区的一个历史遗存吧，我们浮梁地区以前属于徽派文化系统，这些古建筑的留存不多，很多小山村呢，这些老房子都已经破败了，或者在（上世纪）80年代已经卖掉了，像我们家乡也是这样的，但是唯有这些桥留下来了。

桥留下来，因为他有现实功能，有些河他现在还在用这个桥，所以没有随即拆掉。因为拆桥是一个非常，在中国人里面是一个大忌。

他们多在山野之间，其实我很喜欢山野这种野字啊，我更多关注的是很自然很边缘的一种存在，我倒不是喜欢去画一些宫廷啊，这些大寺庙啊，或者宫殿啊这些宏伟的东西，我更喜欢画那些很边缘的存在。

这荒野中的一种独立的存在，一种非常坚韧的，在风雨之中的那种存在，它是一种沧桑感的存在，是吧。当然这个沧桑，我们说桥的沧桑，其实是人的心情的一种转换，一种寄托，一种附会。

那么这种桥的存在，这种实质的桥，他是取之于自然的，但是他又不是真正的自然，他最后又融入自然的这样一个过程，他也是历经沧桑的一个转换的存在，一个符号。

从视觉上讲，我觉得这样一个视觉符号他非常有解读空间，就是非常有情绪感染，感染性很强。桥的这个形态，他这些石头的累积，累积的这种工艺，这种技艺啊，这种巧妙，这种结构性，从视觉上也很有意思，配上我们这种浮梁特有的很小的空间，就会形成一个，嗯，在这荒野之中的，有人文存在的一幅作品。

《雅拉香波》

No.9：还有一个问题，今天想跟您聊一下，就是像现在我们这个互联网时代，短视频时代，人们为什么有什么理由啊，需要走进美术馆，静下心来去欣赏一幅绘画？绘画它存在的价值，其实这个也是大家会经常要讨论到的一个问题，就是行业的一个生存的理由的问题。

潘寨民：我觉得画画，我很难去谈，不想去谈过高的一些意义，因为这意义，这些书籍，或者这些大美学家们已经谈了很多了，这个大话题我们不去说是吧。那么从个体来讲，你为什么要去画画，你做的事你肯定会反思他的意义。

我觉得最主要的一点就是，一张画，他要呈现一个个体存在的角度，和个体存在的一个价值，就是你一张画展示出来的是一个特殊的情感状态，或者说你一个视角，你看的方向在哪里，你看的趣味在哪里，是吧。

因为在我们这种一个海量信息的拥挤的时代，我们恰恰会在这个过程中失掉了自我，失掉了一个特殊性，失掉了一个个人存在的那一种特殊性。

那画画的意义，我觉得，你每一个画家存在的意义，我觉得他也就在于此，你会引导大家去看，哎，我看到的东西，我觉得这个有意思，让我展示这个东西，其实是展示一种【看】，嗯，一种个人的【看】。

我觉得看是一个最主体的活动，人类最主体的感官就是眼睛，就是视觉。那我们今天之所以还需要画画的话，其实我们就离不开【看】这样的一个活动，因为这个活动，他体现的背后的哲学意义，或者他的内涵就太深刻，任何机械，任何机器，任何手段都无法代替我们的感官，最原始的感官。

《水月轩》

No.10：那您觉得比如说当下啊未来啊，您的创作有什么瓶颈和困境吗？

潘寨民：那经历了这个16年左右的一个瓶颈，然后一个徘徊期，经过了两三年的一个徘徊期以后，那现在呢，从19年以后倒是比较有了一定的方向感和信念，就是在材料的基础研究以外，归纳了一些方式方法啊，不再是盲目的去拓展它的边界，不断的在品种上去扩展它，而是在使用的一些规律上，就是能够很好的达到我们表达的一个目的，建立了一套相对稳定的系统。

我觉得每一个艺术家其实是很难知道你最终会走到哪里。

这个过程它是一个不断自我否定的过程，也是一个在这个不断的怀疑，探索和不断的做，就是画的这个行为的实践中，去完成的一个过程，去推进的过程，然后在这个活动，在这个过程中我们会出现可能会有一些满意的作品，其实就是这样的一个状态，画画的状态就是这样一个状态，最后会达到什么指标，这个是不确定的。

《等鹿来2》

No.11：因为您在大学里当老师，是我们景德镇学院艺术专业的副教授，您觉得，和您自己年轻的时候比起来，现在年轻人的状态主要有哪些不一样？

潘寨民：就是我的感受来讲呢，可能我们那一代的年轻人，就是可能更加野一点吧，就是用野来讲啊就是更加原生态一点，好像，好像要生猛一点。

因为那个时候很多的系统，还没有建立，很多规范还没有确定，就是我们感觉到可能性很大，就是那种状态。

那么现在的年轻人，他面对的环境可能不一样，比如绘画性的环境已经不一样了，是吧，比如我们那个（上世纪）90年代初的绘画，他可能还是处于一个对于西方绘画的很新奇的一个了解的欲望之中，那么现在我们可能已经过了这个阶段，因为我们对西方的绘画整个美术系统，都已经有了这个视野了，已经有了这个眼光了，那我们画画的这个参照系统是不一样的。

很多搞研究的，年轻的研究生、本科生，他们的作品，我觉得也是很有活力的，而且我们高温颜色釉这个行业的发展，也是需要不同年龄阶段的一个共同努力，我们早期的这些确立者，这些拓展拓荒的，包括我们这一代的，我觉得是一个确立的事情，还没有真正的走向成熟，还需要更多的后继的年轻的从业者来完成。

《月出江水寒》

No.12：最后一个问题啊，就是如果有一个预言家坐在您的边上，当然不是我啊，可以给您一个提问的机会，就是他可以告诉您未来，那您想要问一个什么样的问题？

潘寨民：我觉得对未来呢，这个是我不想要去问的，因为我的未来，我不想去通过一个预言家去回答我的，哪怕他真的能预言。这个，无论是从我的生存状态还是从绘画艺术来讲啊，嗯这个问题是不需要。

这个是不需要我去期待的，因为我就是希望我每天能够保持一个画画的状态，就是我的生活中，我希望我是一个有好奇心的有绘画欲望的这样的存在，一个有创作激情的状态，而不是要期待最后达到一个什么样的可能性。没有这样一个要求啊，健康的活着，然后你有欲望有想法，你能够保持这样的一个状态，这就是最好的状态，就是最好的生活，这就够了。