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前不久，场景大神<洛克猴-杜震>
在微博上分享了首次尝试吉卜力动画风格作品
这治愈清新的配色和充满故事性的场景，我跪了
大佬还熬了两个通宵！整理了些创作心得
超详实的干货，事无巨细
手把手教你如何用色彩的搭配突出主体
场景视角如何处理等等...
这期货好干！一片看全！注意消化！
快拿着小本本一起记下来吧~~
本篇主要整理了关于场景创作技巧的知识点
大家要做好笔记用于实践呀！
大家好，我是杜震（网名洛克猴），这是我之前绘制的一张“吉卜力”风格的作品，同时也是我第一次尝试纯日式的绘画风格，虽然做的还不够完美，但也让我的绘画风格有了更全面的发展。
我之前的作品，在画风上也一直在尝试不同的感觉，因为我非常担心自己的画风会随着时间而变的“陈旧”；我喜欢新鲜的事物，所以对我来说，不断的扩展也能够让我发展的更全面。这张作品发出来后，很多朋友都问我有没有绘画思路，所以我厚着脸皮做了这个创作心得。
本此分享共涉及四个方面
希望能够给到大家一些启发和帮助
· 平行视角下的冲突 ·
一、平行视角
创作场景，通常都会采用平行视角，但是平行视角往往会给人一种俗套、平庸的感觉，因为平行视角的使用太过频繁，当然，我的也不例外；
那么，肯定会有人问，为什么不采用其他视角呢？
答：视角的选择大多数时候是根据画面故事题材决定的，例如我们要展示一个规模宏大，雄伟高大的人或者景的时候，就会采用仰视，反之要表达危险、紧张、混乱的场面或人群则通常采用俯视，而平视更适合表达安静、稳定、宁谧的画面，所以我这张作品的题材，就决定了，我只能采用平视。
二、打破冲突
既然如此，那如何能够在平行的视角下做出点不一样的感觉呢？
答：我们可以尝试斜线构图，利用对角线形式来构建画面内容，给一种打破平衡的“切割感”；这样一来，即便是平视，也会显得更丰富。
内容与视角平行，显得单调，缺乏层次
内容采用对角线摆放构成，在平视的前提下依然可以带来丰富的层次感
这里我绘制了一个倾斜的山坡，用来构成对角线，因为斜线构图会给人一种“危险、冲突、失衡”的感受，那么还需要一些物体来维持平衡；所以我将主体就绘制成了“垂直型”的结构，这样不仅仅能让画面稳定，还能让主体更凸显。
三、强调故事
近景的人物又是起到了什么作用呢？
答：这张图我采用了双主体的构图形式，主要是为了加强画面的故事感，以往我们创作的场景作品，都是为了给观众展示氛围感和场面规模，而人物通常使用来叙述故事的；
展示场面及氛围感的作品
展示叙事故事的作品
所以，我近景的人物画面占比和主体几乎接近，且高度基本一致，同时让人物面对的方向、路的走向都指引到主体身上，形成两者之间的联系，带来“无声”的故事感。
· 颜色与主次的反差 ·
一、颜色作用
很多人以为判断画面内容是依赖物体的明暗关系（素描）；但其实多数情况下，是通过对固有色对比来判断画面内容的，如图
尽管我们没有塑造任何素描光影关系，但仅依靠固有色区分，依然可以非常清晰的判断内容。
明白了这点，那么固有色能为我带来什么呢？
既然每个物体都有自己的色彩，那么我们可以利用固有色的差异来丰富环境；
二、强调主体
不仅仅如此，如果细心观察，你会发现我的主体建筑采用了红色，它与周遭环境的颜色形成了鲜明的反差，目的就是为了让主体更突出。
但这样不会导致主体色彩孤立吗？为了避免颜色孤立，我在前后的空间上都适当的添加了一些红色，但这些红色的面积都是非常小的，主要目的就是为了和主体形成呼应，避免颜色孤立。
这样一来，我们不仅塑造了丰富的颜色对比，还突出了主体。
三、颜色反差
但这样还依然不够丰富，正如吉卜力的画风那样，色彩的构成不仅仅是固有色之间的游戏，在整个空间变化上，也应该有着丰富的层次。
那有什么好的办法来塑造颜色之间的反差呢？
我尝试利用三原色本身的反差来为空间上塑造了一个极端环境，前景采用了绿色的草地、主体采用了红色的建筑、背景采用了蓝色的天空，如图
但对比色不是会导致颜色之间很冲突吗？
通常对比色之间都非常的不和谐，但我们可以利用他们之间的中间色来进行缓和，让颜色既丰富又舒适。
所以，在创作的过程中都需要认真思考每个细节，以确保不会出现大的纰漏。
· 细化不等于细节·
一、刻画差异
你是否有过这样的困扰：“为啥我每次起稿的时候，内容都显得特别丰富，但当我深入进去后，画面就越来越空，同时造型结构也看着越来越死板，这到底是咋回事？”
那么我们看看下面这两张图有什么区别：
图一 创作于2009年 3D建模+贴图+手绘创作
图二 创作于2020年，使用Photoshop纯手绘创作
差异如此巨大，肯定会有说“你画了这么多年了，当然比以前画的好”，但是到底好在哪呢？
我们可以仔细观察一下两者之间的差异，那么你会发现图一基本上是将确定好的内容刻画的更为清楚，但是物体上的内容基本上都是在“方块”上平涂的，且几乎没有笔触；而图二，你能清晰的感觉到每个结构的凹凸、颜色、粗细、材质都有着丰富的变化，甚至是屋顶的瓦片，我们都能看到每个瓦片的颜色都是不一样的，但笔触反而清晰可见，使画面显得松弛有序。
因此，我们得出了一个结论：
图一：仅仅完成了细化（将物体的边缘、结构、色彩等刻画清晰）
图二：不太在意是否会残留笔触，更多的完成了细节表达，丰富了画面内容
二、亮暗差异
为了让画面的空间看起来更富有立体感，我通常会将画面划分出亮暗区域，其目的是为了让主次关系更加明确。
近景我利用了背光的方式，将其放在了阴影中，从而削弱了近景的色调和对比度，这样它就不会和主体调子太过接近，导致主次不分；而背景，我利用了巨树树叶固有色的暗将上面那些不重要空间都弱化，这样我们视线就只会集中在画面中间的位置，从而让主体更突出。
三、形状概括
通常，为了让画面看起来“质量”更高，我们会将结构都刻画的非常清楚，为了追求这种极致，让画画变成了一件非常“辛苦”的工作。
最后，还没有那些寥寥几笔的作品带来的效果好，那么问题在哪呢？正如第二章所说，我们眼睛第一感官是通过对色彩和形状来判断物体的；那么我们并不需要将所有的物体都表达的极度清晰，这样反而让我们对画面失去了想象空间，导致画面不耐看。
羊群、牧羊人、草地、花朵、石头等，我都仅仅交代了其基础的形状结构和固有色，并简单的塑造了光影，反而当我们观察整体画面的时候，它并不会显得单调，所以要学会“简化”概括。
· 《故乡》完整步骤分享 ·
一开始，我想表达一个隐秘在巨树山坡下的村子，并大致用线条勾勒一个草图；
凌乱的线稿和完成品的对比图
在配色方面，我先将物体的颜色进行了基础划分，同时又划分了空间上的色彩构成，适当的调整了比例并添加了明暗关系；
分享一个观察空间色彩变化的方法：
找一张你想要表达的氛围照片，然后竖向截取一个”长条“，你就能很准确发现这张图的空间色彩变化！
在塑造光影时，尽量的不要压黑暗面，因为天空通常都是蓝色的，那些所谓的暗面，其实还是会受到天光的照射，所以可以用蓝色替代，这样画面就不会显得那么闷了；
接下来，我梳理了结构，如果遇到结构想不清楚的地方，我会单独建一个新图层，然后用线条的方式把结构表达清楚，再接着进行颜色塑造；
调整了细节，并整体深入，这里要注意千万不要陷入到某个局部里，我画画大多数时候都是将画面缩小到整体来进行刻画，即便要刻画局部时，我也会反复且换到整体来观察是否协调；
一般到最后，我都会添加一些“动”的东西（如水、瀑布、河流、大海、云、昆虫等）；因为画面是“死”的，而这些“动”的元素可以让画面显得比较生动；
在最后整体调整细节，我通常汇通photoshop自带的Camera Raw滤镜来调整一下整体的调子，直至满意出图。
大家看完是不是深有启发！
大佬的家底干货都在这里啦~
文章收藏起来，好好消化吧！
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