老大嫁作商人妇

《雕塑作品欣赏入门-语音版》（五）

上期文字稿-《小鲜肉的迷思》

大家好！我们继续来聊聊雕塑艺术。

在上一回，我们提到米开朗基罗创作的位于意大利罗马梵蒂冈西斯廷教堂的天顶画《创世纪》，以此来体会米开朗基罗的性格特征及因此所展现出来的作品风格特点。关于这一点，我们觉得意犹未尽，所以在这回正文开始之前，我们先就这个话题再来聊一聊。

米开朗基罗的《创世纪》天顶画尺寸大约长40米，宽14米，实际面积因为天顶是弧形的，再加上还有往墙壁延伸的壁画，因此无法准确估算，但无疑是非常宏大的，比一个篮球场还大。

旁边这个就是这件作品的布局图，米开朗基罗巧妙地在画中绘制了许多壁柱和饰带，把不同的主题区隔开，形成了一个精巧繁复的空间结构，给观者带来十分独特的视觉体验，而且也规避了绘画表面一些不利于绘画展现的建筑结构。因为可能会遇到这个地方凸起，那个地方拐角等等问题。

在这里，我们想比较几幅文艺复兴及其后巴洛克时期比较宏大的经典绘画作品，来感受米开朗基罗是如何的令人震撼的。

首先，我们得对宏大下个定义，一是尺幅大，二是表现对象众多，细节繁复。在风景画还没有真正出现之前，表现对象主要就是人，所以里面的人多不多是宏大的另一个判断标准。

因此，尺幅大，人物众多，细节繁复，这三点作为宏大的判断标准，因为这三点最能体现艺术家所付出的劳动，以及对整体画面的掌控能力。在这方面，我们中国画也是有许多令人惊艳的佳作，比如《清明上河图》就是典型的例子，不过我们这里主要比较的是西方的绘画作品。

在文艺复兴之前，绘画形式主要是镶嵌画，就是以不同颜色的玻璃块或石块拼出一幅画，我们在之前也都提到过，由于中世纪主要的创作主题是刻板地表现宗教题材，再加上这种拼贴镶嵌的诸多限制，因此画面不可能有太多挥洒自如的发挥。当然，这种镶嵌画，创作者所付出的劳动也是相当不容易的，相当值得钦佩。

到了文艺复兴前后，出现了蛋彩画，是以蛋清调和颜料来作画，以壁画为主，因此，画幅都比较大。而后来油画慢慢流行，就是用植物油调和颜料，在画布或木板上作画，这是我们现代人理解的真正意义上的油画，也叫架上绘画。因为是在画布或木板上作画，尺幅不可能很大，多数就是一两米见方，比如达芬奇的《蒙娜丽莎》，也就77公分*53公分，我记得去卢浮宫现场观赏的时候，人很多，根本挤不到前面，只能远远地看一眼，打个卡，感觉画幅特别的小，谈不上仔细欣赏，还不如在网上看图片更加清晰。

那么文艺复兴和后面的巴洛克时期，比较宏大的绘画作品，比如，米开朗基罗的壁画《最后的审判》，就在《创世纪》延伸下来的祭坛墙壁上，是《创世纪》之后米开朗基罗创作的，尺寸13.7*12.2米；

拉斐尔的壁画《雅典学院》，底部宽7.7米，高度我没有查到数据；

意大利安尼巴莱·卡拉奇的天顶画，位于意大利罗马的法尔内塞宫，尺寸20*7米，这是巴洛克时期的艺术家，他是米开朗基罗的死忠粉，观摩参考了米开朗基罗的《创世纪》，作品也是十分宏大惊艳，不过和《创世纪》比起来，还是小了些。网上有美国可汗学院的视频介绍这个作品，有兴趣可以观赏一下，尤其卡拉奇在其中用绘画仿真展现建筑雕塑的效果，是十分惊艳的。

意大利委罗内塞的布面油画《迦南的婚礼》，尺寸6.69*9.9米，可以算是最大的一幅布面油画了，相当壮观。委罗内塞是威尼斯画派，也算是巴洛克时期的艺术家了。

那么达芬奇的《最后的晚餐》多大呢，8.8*4.6米，也是个壁画，画面人物并不多，细节也不繁复，当然透视技巧是十分精湛的，也是开创了先河。

从以上这些我们可以感受到，从画面的宏大来说，从艺术家付出的工作量来说，米开朗基罗是无人可以匹敌的，我们也因此能够感受到米开朗基罗性格中的执着、坚韧、精益求精，甚至近于变态的特点，也因此能够更加领会他的作品所体现出来的风格特征。

米开朗基罗自己写了首诗，自嘲创作《创世纪》过程中的艰辛，我们可以来感受一下：“我的胡须朝向天，我的脑袋弯向肩......，画笔上滴下的颜色，给我脸上画满了图案......，我的脸看不清道路，只能摸索向前······，前身的皮肉拉长，背后的皮肉缩短，像似弓绷上了弦。”

好，言归正传。

我们这个引子的主题是四个大卫的PK，我们希望通过介绍四件雕塑艺术大师对大卫形象的塑造，来启发大家对雕塑艺术的欣赏切入点，启发大家如何从心灵上的响应，眼睛上的辨识来感受雕塑艺术之美。

这四个大卫都是大师的作品，创作风格与表现技巧各擅胜场、异彩纷呈。

今天我们介绍多纳泰罗的《大卫》。

多纳泰罗是文艺复兴初期最高产的雕塑大师之一，如果说米开朗基罗是文艺复兴雕塑江湖的第一高手，多纳泰罗可以称得上是位德高望重的大宗师。他的艺术生涯波澜不惊，一辈子备受推崇，因此他性格温和恬淡内敛，作品也多呈现平静柔和的气质，不像米开朗基罗那样爆发出咄咄逼人的精神张力。

多纳泰罗对古代雕塑的渊博知识超过了同时代的任何人，他活了80岁，一生中始终孜孜不倦地工作，不断从古希腊古罗马的古典艺术中吸取养分，努力摆脱中世纪以神为中心的刻板风格的禁锢，创作了大量鲜活的雕塑作品，而且能够自由轻松地驾驭各种雕刻的材质：青铜、木料、大理石、黏土、蜡材等等。而且，他还是第一位解剖尸体的艺术家，因此对人体结构的把握十分精准。

比如他这个《大卫》，就是一位形体比例和结构都十分准确的少年形象，并且身体各部分比例十分符合古典美的理想标准。

在艺术史上，多纳泰罗与建筑师布鲁内菜斯基、画家马萨乔被认为是意大利文艺复兴初期“三杰”，他们共同首创了佛罗伦萨复兴古典艺术的形式，为百年后欧洲文艺复兴盛期古典风格确立了方向。在他们的提倡和实践下，人文主义的精神开始对艺术产生影响，视觉艺术语言开始关注人的形象，开始实现从神到人的转变，而且被注入了一种英雄主义的气概，是自主的人。

《大卫》是多纳泰罗最知名的代表作，是古罗马之后第一次有人试图创作直立的裸体男性雕塑，而女性裸体还得到后面，尤其是巴洛克时期才会出现，这也是社会思想观念的一个逐步演进的过程。

多纳泰罗的《大卫》被公认为文艺复兴时期第一尊完全复兴了古代传统裸体艺术的雕像，以及第一尊没有支撑物的独立圆雕青铜像，之前古罗马之后的中世纪，雕塑作品因为是作为教堂的装饰，多数是浮雕的形式，少量独立的人体圆雕作品由于要刻板地表现神的理性，排斥古希腊古罗马的自然的艺术风格，导致重心位置往往靠上，再加上技巧水平的停滞，因此都或多或少会有一些支撑物，比如一个树干啦，或者一个桌子啦等等，而我们前面介绍的《兰斯的微笑》《夏特尔大教堂四圣徒雕像》等等则直接是背靠墙壁做支撑，而网友从意大利拍过来的那个国际哥特式风格的圣特雷莎修女雕像因看不到背后，不好做判断，不过那属于凤毛麟角，而且应该是木雕，也不是铜像。铜像相对比较重，重心靠上容易倾倒，所以一般都有支撑物。

直到多纳泰罗《大卫》的出现，姿态遵守“重心自然转移”的造型规律，大家可以仔细领会一下他的重心位置，显得放松而自然，这才让铜像摆脱了支撑物，这体现了造型技巧上的进步，也复兴了古希腊古罗马的造型艺术风格。当然，这里指的是铜雕，如果是大理石雕，因为材质易碎，还是有支撑物的，大家可以去看米开朗基罗的《大卫》，脚后就靠着一个树干，这就是起了支撑物的作用。要彻底摆脱支撑物，还得到巴洛克时期，真正在造型上完全获得了解放。

多纳泰罗的大卫和真人一般大小，又是全裸体的，这在当时实在是惊世骇俗。

虽然大卫是圣经的人物，但这时候已不再是概念性的象征，不再是冷冰冰的神，而是一个活灵活现、有血有肉的生命，是一位俊美的小鲜肉，这种自然柔和的俊美和米开朗基罗的《大卫》那种帅气、英武、刚毅、坚强的神化的人的气质明显是不一样的。

这样一个裸体的、有血有肉的少年形象，预示了一个新时代的到来，开创了现实主义的表现手法和颂扬人体美的先河，奠定了文艺复兴时期的现实主义传统。

多纳泰罗的《大卫》是一位牧童的形象，无疑与《圣经》的描述契合度最高，他微微翘起的嘴角展露出一丝意定神闲的微笑，青铜的材质肌理也呈现出柔和细腻的光泽，肌理就是雕塑作品技巧的欣赏角度之一，后面我们会系统介绍。

整个作品形象令人感到和熙温暖、宁静自然，这一方面是多纳泰罗的性格特征的展现，也体现了从中世纪过渡到文艺复兴时期，艺术理念从刻板理性的神性向自然平和的人性转变的典型特征。意大利艺术史家乔治•瓦萨里在描述这件作品时写道：“他......真切自然，细腻柔和，就像活人一样。”

大卫面部安详，似已陷入迷思，有些迷惘，有些领悟，正处于沉思之中，这似乎体现了刚刚从中世纪宗教禁锢时期跨越过来的人类思想文化的探求与思索，似乎刚刚发现了人类自身的美和力量，这种对人类自身价值的发现和认识，正是文艺复兴的根本精神。

同文艺复兴盛期米开朗基罗“由人到神”、人类文化高度自信的理念特征不同，多纳泰罗体现的是刚刚摆脱了中世纪神学思想的羁绊的人们，刚刚“由神到人”、并将逐步成为自然主宰的人类文化心理诉求的演变，因此他的作品更加具有亲和力，更加富有人性，更加是一个有血有肉、真实的人，而这个人还处在少年的时期、刚刚开始成长、未来的一切美好已逐步拉开帷幕，因此他有些迷惘，有些领悟，有些憧憬，有些兴奋，有些意定神闲，平静从容。

最后，我们再把几件作品放在一起，再从作品的风格特征来感受一下艺术作品是如何体现从中世纪到文艺复兴，再到巴洛克时期，神人是如何转变的。我们可以看出，中世纪刻板理性，文艺复兴初期自然现实，文艺复兴盛期人成长为神，呈现出人的神性，而到了巴洛克时期，神又便成人，变成了世俗的人。

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